RELATO BREVE, "Una tarde en el Circo Teatro Real".
Es un día de verano, aburrido y apacible como todos, que deja pocas escapatorias a la imaginación. Mi hijo bosteza a lo grande y muestra la tontera típica de la estación estival. Nos espera otra tarde de muchos desvelos y dirigida por un sentir muy flojito. Pero, en esta ocasión, sin recoger aún la mesa, pongo manos a la obra. Voy a iniciar una particular guerra contra el aburrimiento, por lo que cojo el periódico y leo ansioso sus primeras páginas. Mi hijo ya duerme, tendido a todo cuerpo en el sofá del comedor. Todo ello me obliga a pensármelo en serio, pues no quiero que parezcamos unos zombis. No podemos ocultar que nos encontramos en Madrid, en donde reina el clima continental. Este clima comprende una variedad de climas, que presentan diferencias marcadas de temperatura entre el invierno y el verano, normalmente con un período breve de entretiempo. También se denomina clima frío, nevado o microtérmico, debido a que los inviernos son gélidos. De manera similar a lo que sucede con los días y las noches, los veranos oscilan de cálidos hasta frescos y los inviernos fríos o muy fríos, pues suelen ocurrir heladas con asiduidad, y las temperaturas descienden por debajo de los 0 °C, mientras que las precipitaciones suelen ser escasas en este tipo de clima. Estas características se dan habitualmente en el interior de los continentes o en regiones aisladas por cadenas montañosas que impiden la influencia oceánica. Un clima continental está definido actualmente como aquellos climas que presentan una temperatura media mayor de 30 °C durante el mes más cálido y menos de 0 °C durante el mes más frío. El clima frío continental tiene lugar en el hemisferio norte del planeta, a niveles de latitud media, es decir, en la zona templada. Los vientos poseen una gran influencia de este tipo de clima, puesto que llevan su influencia hasta las zonas costeras. En muchas zonas del interior del centro-sur de Europa alejadas del mar y que se encuentran a una altitud moderadamente elevada pueden darse este tipo de climas. No son continentales como tal, más bien son continentales con influencias según la latitud y altitud a la que se encuentren. Es el caso de muchas zonas del interior de España, cuyo clima es mediterráneo y más húmedo en las costas, pero mucho más parecido a lo que es el clima continental en el interior, aunque con algo de influencia mediterránea. Es el caso de ciudades como Madrid, con temperaturas bastante cambiantes a lo largo del año, veranos cálidos e inviernos bastante fríos, con precipitaciones repartidas entre el otoño y la primavera, un clima que bien podría ser denominado como continental-mediterráneo o incluso semiárido templado-frío (una variante también del clima continental). No obstante, estrictamente hablando, el «clima continental» es la zona de latitud media del planeta entre la zona tropical y la zona polar, cuyas características suelen darse en algunas zonas costeras y en el interior de los continentes. ¡Bien! Pues me encontraba leyendo ya algunas páginas de mi periódico, la Vanguardia dominical, titulado La Vanguardia Española, en el candelero de 1939 a 1978, es un diario matinal de información general y prensa del corazón, editado en Barcelona para toda España, que se publica en español y, desde 2011, también en catalán. Perteneciente al Grupo Godó, publicó su primer número el 1 de febrero de 1881; cuando sin verlo ni quererlo me topé con cierta publicidad que parecía provenir del Circo Teatro Real. Por lo que he podido enterarme en breves instantes, el teatro del Circo, antes Circo Olímpico, fue un local de espectáculos situado en la plaza del Rey de la ciudad de Madrid (España), que funcionó en la segunda mitad del siglo XIX. Tuvo su origen en el barracón que ocupó en 1835 la compañía de acrobacias ecuestres de Paul Laribeau. En 1846, el circo fue reformado como teatro por iniciativa del marqués de Salamanca. El edificio sufrió el 13 de noviembre de 1876 un incendio que lo destruyó en su totalidad. Estas sesiones destacan por su manejo peculiar de la música. El ciclo A Pie de Calle regresa con seis espectáculos de teatro y circo, que se desarrollarán en diferentes espacios del municipio de Madrid. Se invita a reflexionar sobre el mundo en que vivimos y el que queremos dejar. Sinceramente, me pareció un espectáculo muy interesante, que bien podría desterrar nuestra actual apatía. Pidiéndole perdón en silencio, desperté a mi hijo, sin ninguna brusquedad, y en voz muy bajita le prometí pasar una tarde diferente, distinta de la monotonía imperante en el ambiente. El niño no dejó caer ni media lágrima y se mostró, desde el principio, ufano y contento. Como ingredientes del Circo Teatro Real, figuraban el circo y sus variedades, la danza, el humor, la música y el teatro. Nos quitamos las ropas de casa, nos vestimos de calle y, como dos relámpagos, bajamos a la parada del BUS. Esta compañía se hallaba situada en las afueras de Madrid, por lo que la tranquilidad jalonaba sus espectáculos; se encuentra concretamente junto al Manzanares. Sin pensarlo dos veces, nos dirigimos a la taquilla, donde me cobraron a mí 8 € y 4 € a mi hijo, pues aún no había superado la edad de seis años. El recinto no estaba lleno al completo, pero mucha gente esperaba el estreno en la puerta, como nosotros. Los jóvenes con edades comprendidas entre 14 y 25 años, adultos mayores de 65 y desempleados y poseedores del carnet de familia numerosa podían comprar las entradas con un descuento del 15% sobre el precio normal. Era necesario presentar el DNI o tarjeta de desempleado en la puerta de entrada al Circo Teatro Real. Este descuento no era acumulable a otras promociones. Pero, si os digo la verdad, yo y mi hijo no podemos acogernos a algún descuento. A las cuatro de la tarde se abrió la puerta de entrada, aunque la primera actuación no tendría lugar hasta las 4:30 horas de la tarde. Por otro lado, los estudiantes de la Escuela de Arte Dramático, Aula de Teatro de la Universidad Complutense, Conservatorio de Danza y Conservatorio Superior de Música y miembros de la Asociación de Actores de la Región de Madrid tendrán un descuento del 15% sobre el precio de entrada para todos los espectáculos. Este descuento no es acumulable con otras promociones. Pues ¡bien!, a las cuatro y media en punto se abrió la puerta de entrada. En otro sentido, se da una información complementaria al espectador que dice: • Los espectáculos tratarán de comenzar con rigurosa puntualidad, a la hora indicada en cada programa, no permitiéndose el acceso a las salas una vez iniciada la representación. • Dentro de la sala y durante la celebración de los espectáculos no está permitida la utilización de teléfonos móviles, la realización de fotografías, vídeo, grabaciones sonoras, los punteros láser, el acceso de animales (excepto perros guía) y la comida y bebida del cliente dentro de la sala. • Compruebe sus entradas antes de retirarse de la taquilla, imprimirlas o por venta teléfonica (fecha, lugar, zona...). Una vez adquiridas, no se realizarán cambios, ni devoluciones de entradas previamente adquiridas. • La organización se reserva el derecho de reubicación de la localidad por causas justificadas y necesarias consecuentes de la organización del acto. • La organización no se responsabiliza de las opiniones y comentarios realizados por los artistas durante el desarrollo del espectáculo. • Lunes cerrado por descanso del personal. • Si tiene alguna sugerencia que hacernos a nuestro servicio puede escribirnos a: teatrocircomurcia@ayto-murcia.es El caso es que a las cuatro y cuarto entramos definitivamente en la sala. El Circo Teatro Real muestra un espacio emblemático de la Ciudad para las Artes Escénicas que abarca la mayoría de los géneros y estilos teatrales. El Teatro Circo Price, por su parte, es un espacio dedicado a la exhibición y difusión de artes circenses, sala circular donde también participan la música y la magia. Además, el famoso y prestigioso Gran Circo Acrobático de China es un deleite para los cinco sentidos. Calificado como único en el mundo y con más de 30 artistas en escena (entre los que se encuentran medallistas olímpicos y acróbatas del Cirque du Soleil), en este espectáculo de cuatro actos invita al público a viajar junto al protagonista, un niño soñador que entra en un mundo de fantasía. La Compañía Alas Circo Teatro nace el año 2008 en la Escuela Municipal de Circo de Alcorcón. Formada por sus integrantes y promotores Juan Manuel Sánchez y María… Entramos en el Teatro Circo Real, edificio muy emblemático con un gran escenario y una cúpula excepcional. Muy buena visión y sonido muy mejorado últimamente. Las butacas son funcionales y cómodas; en definitiva se les otorgaría un notable muy alto. “He ido en numerosas ocasiones; conciertos, acrobacias, monólogos y en todos he salido contento: tanto por el espectáculo que haya visto, como por el Teatro en sí” –opinión de un vecino-. Y, a las cuatro y media de la tarde, se abre el escenario. En primer lugar, hay un espectáculo de Sombras chinescas (teatro de sombras). Las sombras chinescas o sombras chinas, precedente del teatro de sombras, parten de un juego popular basado en un efecto óptico teatralizado que se consigue al interponer las manos u otros objetos entre una fuente de luz y una superficie clara (pantalla o pared), de manera que la posición y el movimiento de las manos proyecta sombras que representan figuras estáticas o en movimiento. Constituyen una de las más antiguas artes del teatro de títeres y marionetas. En suma, pues, se trata de una representación de las siluetas de figuras en movimiento, las cuales, situadas entre una fuente de luz y una pantalla transparente, aparecen como sombras. Lo de chinescas parece provenir de su posible origen chino. Este tipo de espectáculo ha sido y es muy popular en el Tibet, India, Indonesia, Turquía, Java, etc.; en Europa penetra en el siglo XVIII. Por lo común, se utilizan figuras recortadas en pergamino, cuero, madera, cartón, etc.., que son movidas mediante varillas. El Teatro Circo fue un teatro de San Sebastián, ubicado en la calle Aldamar. Destruido por un incendio en 1913. Por otro lado, el Teatro Gayarre es un teatro que se encuentra en Pamplona, capital de la Comunidad Foral de Navarra, en la avenida Carlos III del Segundo Ensanche. Es propiedad del Ayuntamiento de Pamplona y está gestionado por la Fundación Municipal Teatro Gayarre. Para reconstruir la historia del Teatro Gayarre hay que remontarse a 1841, fecha en la que abre sus puertas en la Plaza de la Constitución de Pamplona (hoy Plaza del Castillo) el Teatro Principal, sala que vino a sustituir al viejo Patio y Casa de Comedias, situado en la calle del mismo nombre desde 1608. El Teatro Principal se llamó así hasta 1903 y Teatro Gayarre a partir de entonces, en memoria del tenor roncalés muerto en 1890. Desde el momento en el que el derribo de las murallas de la ciudad dio paso al ensanche de Pamplona la vida del coliseo peligró, hasta que se procedió a su demolición en 1931 y a su traslado al lugar donde hoy se encuentra, en la Avenida Carlos III. Se aclara que Sebastián Julián Gayarre Garjón fue un tenor roncalés, cuyo timbre de voz le llevó a ser considerado el mejor tenor de su época. El Teatro Gayarre volvió a abrir sus puertas el 3 de mayo de 1932. La construcción del edificio se sacó a concurso por parte del Ayuntamiento de Pamplona en 1929 y se la adjudicó el arquitecto Javier Yarnoz, quien transfirió todos sus derechos y obligaciones a la empresa constructora Erroz y San Martín. Esta empresa, además de construir el teatro solicitó, en diciembre de 1931, la explotación del coliseo y le fue concedida. El contrato se prolongó hasta 1942 y se renovó posteriormente, haciéndose cargo de la gestión la Sociedad Anónima Inmobiliaria de Espectáculos (SAIDE). En 1953, ante la necesidad de unas reformas urgentes que precisaba el Teatro, la empresa accedió a correr con los gastos y se firmó un nuevo contrato que debía finalizar el 3 de mayo del 2003, si bien el pleno municipal decidió su reversión cinco años antes de esta fecha, en mayo de 1998 y constituir para su gestión la Fundación Municipal Teatro Gayarre. El objeto de esta, según los estatutos es «la gestión y administración del Teatro Gayarre con el fin de promover, promocionar y difundir el teatro, la música, la danza y otras actividades que guarden similitud con las anteriores.» El Teatro Principal (llamado Gayarre desde 1903, como homenaje al tenor roncalés recién fallecido) cerraba al sur la plaza del Castillo desde su inauguración el 4 de julio de 1841. El romántico Víctor Hugo, en una visita a Pamplona, calificó de “horroroso” el edificio de trazas neoclásicas y recomendó “al primer hombre de espíritu” que atacara la ciudad y que el teatro fuera el primer objetivo de un bombardeo. No fue la guerra quién puso las bases para acabar con el teatro, sino el arquitecto municipal Serapio Esparza, autor del planeamiento del Segundo Ensanche pamplonés, al concebir la futura avenida de Carlos III como el principal eje Norte-Sur de la nueva ciudad que quería expandirse más allá de sus murallas. En segundo lugar, se va a hacer una representación de guiñol. El guiñol es un espectáculo teatral en el que los personajes están interpretadoss por muñecos movidos por los dedos de una persona oculta por detrás del escenario. Su origen proviene de la antigua China, pero en Europa no se popularizará hasta el siglo XVIII. Un gran autor contemporáneo de guiñol es Federico García Lorca. El guiñol suele encarnar un personaje crítico y rebelde ante la autoridad. El guiñol (guignol en francés) es un títere de guante nacido en Lyon a comienzos del siglo XIX. Está considerado el muñeco más popular de Francia y su fama ha invadido el espacio y la identidad de títeres mucho más antiguos que él, hasta el punto de que en el lenguaje popular, el teatro de títeres y marionetas suele llamarse "teatro de guiñol". Celebró su bicentenario en 2008. Los primeros personajes del teatro de títeres de Mourguet fueron tradicionales muñecos de la tipología de Polichinela y sus hermanos europeos (los sencillos y populares «burattini», herederos del teatro de máscaras de la Comedia del Arte). Más tarde, hacia 1808, y con ocasión de unas representaciones en una inclusa, se ha supuesto el nacimiento del personaje Guiñol o canut Guignol, aunque otros estudios proponen que otro personaje de la troupe lionesa, conocido como Gnafron, también obrero textil, había sido creado por Papá Mourguet con anterioridad. Los tejedores convertidos en títeres lucen su blusón azul y pañuelo anudado al cuello; Guiñol se distingue por su bonete y una fina trenza, y su mujer, Madelon, lleva un pañuelo a la cabeza. El personaje que cierra el trío, Gnafron, es un zapatero borrachín que se distingue por su delantal de cuero y, ocasionalmente, por una gorra de seda. Los malos de la historia son el juez y el gendarme. La representación termina siempre con los garrotazos que Guignol y sus compañeros dan a los representantes de la ley y el orden, para deleite del público. Polichinela es un personaje de la farsa italiana y del teatro de marionetas, jorobado, de carácter chocarrero y fanfarrón. Desde otro punto de vista, se puede decir que Polichinela (en italiano Pulcinella, en napolitano Pulecenella) es un personaje de la Comedia del arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con "Coviello", uno de los principales personajes de la trama en el modelo napolitano. Se llama ‘marioneta’ al muñeco o títere movido, por lo general, mediante hilos, que se utiliza para realizar representaciones teatrales. El teatro de marionetas existió en Egipto, China, Grecia y Roma, y luego se extendió por la mayor parte de Europa. Actualmente, suelen representarse con marionetas obras infantiles. La marioneta (palabra usada a menudo para nombrar al conjunto de la familia de los títeres, nombre español del teatro de muñecos) es, en su definición más técnica e histórica, una figurilla hecha de diversos materiales (madera, pasta, trapo, metal, plástico, etc.) que manipulada gracias a un conjunto de hilos o cuerdas cobra movimiento. Está considerada por los profesionales, estudiosos y artesanos del ramo, el títere más difícil de manipular y con una de las técnicas más antiguas, teniendo su origen en la marioneta de barra y a pesar de que "como muñeco totalmente movido por hilos sólo aparece a partir del siglo XVIII". Títeres son ciertas figurillas que suelen traer extranjeros en unos retablos que, mostrando tan solamente el cuerpo de ellos, los gobiernan como si ellos mismos se moviesen, y los maestros que están dentro, detrás de un repostero y del castillo que tienen de madera, están silbando con unos pitos, que parecen hablar las mismas figuras; y el intérprete que está acá fuera declara lo que quieren decir, y porque el pito suena "ti ti", se llaman títeres. En los siglos XVIII y XIX el universo del títere se enriqueció con una nueva diversión: espectáculos realizados con la linterna mágica. Ello influyó sin duda en que el arte de marionetas y títeres mereciera una especial atención entre escritores y músicos de estratos cultos, que participaron en este mundo de muñecos y le dedicaron su tiempo y su trabajo, aumentando la fascinación y el entusiasmo con sus fantasías. Paralela y simultáneamente fueron surgiendo locales de los que quedan algunos documentados, como los del barrio de Montmartre en París, Le Chat Noir (donde trabajaban con sombras chinescas ) y el «Petit-Théatre» (con marionetas de hilos). En algunos de ellos se llegaron a poner en escena a autores de la talla de Shakespeare, Aristófanes y Cervantes. Por su parte, y ya en el siglo XX, Manuel de Falla compuso en 1923 El retablo de Maese Pedro (con títeres y escenografía de HermenegilLanz y la colaboración de Manuel Ángeles Ortiz); además de otras colaboraciones con los títeres gaditanos de la Tía Norica, una de las más valiosas colecciones de marionetas de España. Poco después, en 1930, culminando sus trabajos para los populares títeres de cachiporra, Federico García Lorca escribió el Retablillo de Don Cristóbal. Mi hijo está verdaderamente hipnotizado. El chapulín se encuentra a gusto; no hace falta que me lo diga. Su cara está resplandeciente y su sonrisa permanece en todo momento. En tercer lugar, se pone en escena un espectáculo de mimo. Mimo: 1. Forma de expresión teatral que se basa en el gesto y el movimiento corporal, excluyendo la palabra. Estas representaciones se remontan a la antigua Grecia, luego continuaron en Roma, la Edad Media y en la commedia dell’arte, hasta la actualidad, cuando ha vuelto a florecer. Se suele diferenciar de la pantomima, que es la representación gestual que trata de reproducir con exactitud una historia, por lo general festiva, aunque sin palabras, mientras que el miimo se ocupa más de la plasticidad de la expresión corporal y se relaciona por tanto con la danza, sin preocuparse tanto del desarrollo de una historia. 2. Actor de estas obras. En otro sentido, un mimo es alguien que utiliza la mímica como medio teatral o como una acción artística, o representa una historia a través de gestos faciales o movimientos del cuerpo, sin uso del discurso o expresión verbal. Las restricciones de la tecnología del cine mudo obligaba a contar las historias con un mínimo de diálogo, que aparecía en breves intertítulos. En el cine mudo, actores cómicos como Charles Chaplin, Harpo Marx, Harold Lloyd, Mario Moreno y Buster Keaton, que aprendieron el arte de la mímica en el teatro, lo popularizarían a través del cine. Trayectoria que seguirían cineastas posteriores como Jacques Tati. El mimo como recurso narrativo de apoyo de la trama tuvo especial desarrollo en el cine expresionista alemán. Asimismo, con posibles orígenes en la Commedia dell'Arte, el mimo ha sido un recurso tradicional en espectáculos populares como el circo, como lenguaje de base del payaso. En esa línea se sitúa el estilo improvisado y abierto a la participación del público de Lecoq, en oposición al estilo clásico de Marceau. La mímica es un medio de expresión no verbal a partir del lenguaje corporal y gestual. Usada para transmitir una idea o un discurso dramatizado, es uno de los más primitivos modos de expresión artística para enfatizar sentimientos o emociones, tanto en representaciones dramáticas como en la danza. Asimismo, mímica puede aparecer como sinónimo de representación y arte de imitar. Antonin Artaud, en 1964, diferenciaba «diez mil y una expresiones del rostro, consideradas como máscaras», asegurando que podrían ser «etiquetadas y catalogadas y puestas, directa o simbólicamente, al servicio del lenguaje concreto del escenario». Grotowski, sin embargo, consideraba en 1971 que «el actor debe componer por sí mismo una máscara orgánica con sus músculos faciales y hacer que cada personaje mantenga la misma “mueca” a lo largo de toda la obra»; un control de la expresión que también ponderaba Brecht (1972). Las citas, recogidas por el lexicólogo Patrice Pavis, se rematan con la imagen sugerida por el teórico francés de que «el rostro se convierte en un decorado ambulante (...) el lugar donde el sentido dibuja signos en la carne». En definitiva, la mímica es el arte de representar o darse a entender mediante gestos, ademanes o movimientos del cuerpo. Puede completarla expresión oral o utilizarse de manera exclusiva, lo que remite al mimo. En cuarto lugar, tiene lugar la actuación de un Arlequín, cuya representación se basa en la pantomima. El Arlequín (arlecchino en italiano) es el personaje más popular de la comedia del arte, aparecida en Italia durante el siglo XVI, pero cuyo origen tiene lugar en la Edad Media. En las sencillas tramas de la commedia aparece como compañero habitual del astuto Brighella y la pícara Colombina, formando el grupo más popular de los zanni («criados»). La personalidad de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Lleva una máscara negra de nariz geminiana y es un fabuloso acróbata saltarín. Representa al criado tragón y tonto, siempre en busca de pelea, comida y mujeres, pero de pronto humanizado ante las humillaciones, el miedo al hambre, el amor de Colombina y con una inigualable capacidad de supervivencia. En su origen, el traje de Arlequín, nacido visualmente como el prototipo del mendigo harapiento, estaba hecho de retales irregulares de otras ropas, que demostraban su estatus social de servidor y esclavo. Con el tiempo, se convirtió en un traje de triángulos multicolores, prevaleciendo el rojo y el verde. Más tarde, en el arlequinadas del siglo XVIII, el personaje tomó otras características pasando a ser un amante insidioso, cuyos parches se convirtieron en cuadros en forma de rombo, de colores muy brillantes. Similares cambios convirtieron el original sombrero de ala, en ocasiones adornado con un rabo de conejo o de zorro, en un sombrerete de bufón de influencia centroeuropea. La máscara de Arlequín, síntesis de gato y mono, resume todas las características del personaje, su forma de ser, sus gestos y movimientos; de ahí su nariz chata y respingona, sus mofletes regordetes y ojos redondos (denunciando su glotonería), o las expresiones mezcla de alegría y sorpresa pero nunca de enfado. Además, la máscara de Arlequín, por lo general de cuero negro, tiene una enorme verruga o chichón en la parte alta (un posible cuerno cortado, vestigio de su origen diablesco). El personaje original lucía grandes bigotes (atributo físico que desapareció en la adaptación francesa de la comedia del arte italiana). La pantomima es un subgénero dramático del mimo y el mimodrama que consiste en representar una historia mediante mímica, sin diálogos ni palabras, apoyando la narración con expresiones, gestos o movimientos corporales. Asimismo da nombre a un subgénero dramático de la comedia musical británica que narra historias tradicionales navideñas y del folklore, en un espectáculo infantil acompañado de música y danzas. La mímica dramática es una disciplina que aplica el lenguaje de la mímica a la representación dramática, con el objetivo de narrar una historia sin necesidad de la comunicación verbal. En el siglo XX, influenciado por las características estéticas del Nō y la Commedia dell'Arte, Jacques Copeau retoma el concepto de las máscaras como una técnica para la enseñanza de las artes dramáticas. Étienne Decroux, pupilo de Copeau, desarrolla gracias a la influencia de su mentor una nueva técnica teatral denominada mímica corporal. Algunos teóricos consideran a Jean-Gaspard Deburau precursor en Europa de la pantomima moderna, a través de la figura melodramática de Pierrot y la figura silenciosa de rostro maquillado de blanco´. De forma más sencilla, la pantomima es un espectáculo teatral en el que sólo intervienen los gestos y movimientos del cuerpo de los actores, próximo al mimo, pero con carácter festivo. Se trata de relatar historias sin hacer uso de palabras. Como tipo especial de pantomima pueden considerarse las actuaciones de Ch. Chaplin y B. Keaton. En quinto lugar, hacen acto de presencia los inmortales payasos. Un payaso (del italiano pagliaccio) es un personaje estereotipado representado comúnmente con vestimentas extravagantes, maquillaje excesivo y pelucas llamativas. Generalmente se le asocia con un artista de circo, cuya función es hacer reír a la gente, gastar bromas, hacer piruetas y en ocasiones trucos divertidos, pero también es un actor satírico que se burla de la cotidianidad. En algunas culturas, la vestimenta y el maquillaje del payaso denotan una jerarquía, desde el maquillaje de vagabundo hasta la cara blanca. El artista puede hacer uso de maquillaje de base de aceite o de agua. Asimismo, en algunas sociedades los payasos se relacionan con otros ámbitos y temas, sobre todo en la televisión, donde aparecen representados incluso como personajes malvados. También es llamado clown, palabra de origen inglés que significa «aldeano». Los payasos han cumplido tradicionalmente una función socio-religiosa y psicológica, y tradicionalmente los papeles de sacerdote y payaso han sido desempeñados por las mismas personas. Peter Berger escribe: "Parece plausible que la locura y los tontos, como la religión y la magia, satisfagan algunas necesidades profundamente arraigadas en la sociedad humana". Por esta razón, el clown suele considerarse una parte importante de la formación como disciplina de actuación física, en parte porque se pueden tratar temas peliagudos, pero también porque requiere un alto nivel de riesgo y juego en el intérprete. En antropología, el término payaso se ha extendido a personajes comparables de bufones o tontos en culturas no occidentales. Una sociedad en la que estos payasos tienen una posición importante se denomina sociedad de payasos, y un personaje de payaso que participa en una capacidad religiosa o ritual se conoce como payaso ritual. Quién no recuerda a los “hermanos Tonetti” (José y Manolo Villa del Río) que fueron unos payasos españoles, especialmente conocidos durante la segunda mitad del siglo XX. Fueron además empresarios circenses. Mi pequeño se lo está pasando en grande. Me lo subo a los brazos y con voz muy suave, le cuento lo siguiente: - La historia del circo tiene su inicio en 1768, año en que Philip Astley fundó el Astley Riding House en Londres, considerado el primer circo moderno. Derivado de numerosos antecedentes históricos del ámbito del espectáculo, el entretenimiento, las variedades y las ferias ambulantes, el concepto actual de circo proviene sin embargo de las innovaciones que Astley introdujo en su espectáculo. Militar de carrera, Astley destacó por sus habilidades como jinete, motivo por el cual, tras licenciarse del ejército en 1768, inició un espectáculo ecuestre, al que añadió una banda de música y, con el tiempo, diversas figuras del mundo de la farándula y los espectáculos ambulantes, como acróbatas, saltimbanquis, mimos y payasos. Al juntar los diversos oficios circenses en un solo recinto —rescatando a muchos de estos artistas del ambiente callejero, casi marginal, en el que trabajaban hasta entonces—, Astley sentó las bases del espectáculo circense tal como se considera hoy día. Se puede definir al circo como un espectáculo basado en diversas habilidades humanas por lo general fuera de lo común, encaminadas a divertir, entretener, asombrar, cautivar y hacer volar la imaginación. También se llama circo al recinto donde se realiza el espectáculo, por tradición una carpa itinerante con graderías para el público y una arena central para los espectáculos. El circo incluye diversos oficios, como acróbatas, jinetes, malabaristas, mimos, payasos, equilibristas, titiriteros, trapecistas, forzudos, gimnastas, contorsionistas, zancudos y figuras como el hombre bala o lanzadores de cuchillos; también, en ocasiones, solía incluir magos (o bien ilusionistas, adivinos y mentalistas), ventrílocuos, faquires o personajes como tragafuegos y tragasables; por último, antiguamente solía incluir diversos tipos de rarezas (o «fenómenos») como personas deformes, gigantes o enanos, siameses, albinos, mujeres barbudas u otro tipo de personajes con características poco habituales, generalmente englobados bajo la denominación de freak show, hoy día ya prácticamente inexistentes. En ocasiones, también incluye diversos tipos de actuaciones con animales amaestrados —los más habituales, caballos, osos, leones y elefantes—, aunque hoy día van desapareciendo por las leyes de protección de animales. También fueron populares durante un tiempo los circos de pulgas. La presentación suele correr a cargo de un maestro de ceremonias. Al bajarlo al suelo, el pequeño Javier me tira insistentemente del pantalón, lo cual es síntoma de que quiere la merienda. Llevo una chocolatina light y unas galletas sin azúcar, envueltas en papel Albal. Pero Javi se pone mimoso y quiere que siga contándole cosas. Él me dice: - Más, papá, -y poniendo la voz de un inconformista añade- Dime más cosas. Yo me enfado y le digo: - Javi, yo no soy una enciclopedia. Debes estar atento al espectáculo. No obstante, Javi me golpea insistentemente, pues se ha enfadado. Le replico; - ¡Atiende! El famoso payaso Charlie Rivel era hijo de uno de estos artistas nómadas y en sus memorias dejó reflejado las penurias de esta vida errante. En este tiempo, aunque la mayoría eran oficios originados en la antigüedad, se fueron perfilando las diversas categorías de artes derivadas del equilibrio, la fuerza y la agilidad, es decir, las más propiamente físicas y vinculadas con la gimnasia. Una de ellas es el funambulismo, es decir, andar, bailar o hacer ejercicios sobre cuerdas. De este arte derivan también los ejercicios aéreos, bien con trapecio —fijo o volante—, o bien con barras, anillas o cuerda lisa, así como las flechas humanas u hombres bala. En cuanto a los ejercicios físicos y de equilibrio, se encuentran los saltos —limpios o con ayuda de trampolín o cama elástica—, los ejercicios olímpicos o «mano a mano» —realizados por dos personas, portor y volteador—, los forzudos, los contorsionistas, los equilibristas —generalmente ayudados de escaleras, bolas o pértigas—, los icarios y antipodistas —ambos realizados por una persona recostada que utiliza los pies para mover a un compañero, en el primer caso, o bien objetos, en el segundo—, los malabaristas o, por último y más recientemente, los equilibristas sobre bicicletas o motos. Ahora, ¡atiende a la pista! Se aclara que Charlie Rivel o Josep “Pepe” Andreu i Lasserre, más conocido por su nombre artístico Charlie Rivel, (Cubellas, 23 de abril de 1896-San Pedro de Ribas, 26 de julio de 1983) fue un payaso, mimo, acróbata, trapecista y artista de circo español, considerado el más popular, universal y uno de los mejores payasos del mundo de su época. Fue estrella del Circo Price, y parte del reparto de I clowns, película de Federico Fellini. En 1970 recibió el Premio Nacional de Teatro, y en 1983 la Generalidad de Cataluña le concedió la Creu de Sant Jordi. En sexto lugar, y último, va derecho a la pista un conjunto de voces, que interpretarán cinco canciones populares, poniendo el fin de este espectáculo. De prisa y corriendo, aprovechamos el momento para ir al W.C. Hay que estar al loro, pues Javier ya no utiliza pañales, ni protector de modo alguno. Aún le cuesta un tanto, alcanzar la cerámica de los uréteres, pero ya no se hace pis. Aunque me he movido, la verdad es que yo me encuentro agobiado. Estar pendiente de unas actuaciones y, a la par, estar pendiente del jovenito Javi. Ahora, no sé dónde colocar mi cabeza. Este local, en el que se alberga el Circo Teatro Real, tiene muy mala ventilación y, además, faltaban unos cuanto aparatos de aire acondicionado. En cuanto al espectáculo, en su conjunto, me ha parecido más propio de jóvenes y niños, que de adultos. Desde luego, mi hijo se lo ha pasado en grande, pero, en cuanto lleguemos a casa, le vas a dar la lata a tu madre. Particularmente, me quedo con la divertida magia de Juan Tamarit. Es un ilusionista especializado principalmente en cartomancia de cerca y mentalismo, que utiliza el humor en todos sus números. Se nos ha propuesto la reflexión sobre el mundo en que vivimos y el que dejaremos a las posteriores generaciones, y al respecto puedo decir que todo ser humano se tiene que encontrar mal al contaminar y tiene que tener la predisposición de no contaminar. En nuestra casa, hay dos coches, por ejemplo, uno para mí y otro para mi esposa, pero siempre que tenemos la posibilidad de coger un BUS el o los coches se quedan en el garaje. Me ha llamado la atención, pero usando correctamente las bolsas de basura la vida sería más natural. ¡Ah! El agua, ese elemento imprescindible para alojar la vida en un punto concreto. Y aquí se podría hablar del cambio climático, lo que daría para largo. Le doy la mano a Javi y, sin más, nos dirigimos de nuevo al BUS. En la llegada, desde la Parada al portal, sólo hay unas cuantas manzanas, que se recorren en 10 minutos. -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- CIRCO Espectáculo de carácter popular, normalmente ambulante y acogido bajo una carpa, en el que se alternan actuaciones muy variadas, de las cuales las más abundantes son aquéllas en las que los artistas muestran habilidades especiales, como una extremada agilidad o fuerza, caso de trapecistas y contorsionistas. El humor, como la música, juega un papel esencial en el desarrollo de la función y está especialmente encarnado en el papel del payaso. Los animales amaestrados son otra de las bases del espectáculo, sobre todo aquéllos capaces de realizar ejercicios de habilidad como caballos o perros, y los que su doma entraña algún tipo de riesgo para el artista como tigres y leones. El elemento unificador del fenómeno circense es su peculiar estética de lo espectacular y lo increíble que contacta con un público agradecido y con gran capacidad de sorpresa, como es el infantil. Un caso excepcional: el Cirque du Soleil En las últimas décadas del siglo XX y comienzos del XXI, a pesar de que la situación del circo occidental no dejaba de ser anecdótica y en cierto sentido decadente, sorprendió una iniciativa canadiense que, con el nombre de Cirque du Soleil (Circo del Sol), asombró con su mezcla de tradición y modernidad a todo el mundo. Nacida en 1984 por iniciativa de Guy Laliberté y Gilles Ste-Croix, la compañía cambió por completo la concepción tradicional del circo con la utilización de elementos propios del teatro o la performance, como la musical original tocada en directo, el vestuario, el maquillaje y los efectos de luz, además de una trama unitaria para cada uno de sus espectáculos, todo con una estética vanguardista basada en la fuerza de sus artistas, los cuales efectúan verdaderas proezas en escena. Además, uno de los aspectos que diferencian al Cirque du Soleil de otros espectáculos circenses del resto del mundo es la ausencia de animales, precisamente uno de los aspectos más controvertidos del circo tradicional. Tras la fundación en Canadá, la compañía conquistó el mercado estadounidense y después dio el salto a Europa. Actualmente ofrece tres espectáculos fijos en Estados Unidos y nueve más que se exhiben en giras por todo el mundo. Más de quinientos artistas, de cuarenta nacionalidades, distintas edades y muchos idiomas diferentes, conforman un elenco para el cual se ha contado con los mejores equilibristas, contorsionistas, saltimbanquis, malabaristas, trapecistas y payasos del mundo, algunos incluso fichados entre campeones olímpicos de distintas especialidades. Los espectáculos más importantes de la compañía canadiense reciben los siguientes nombres: La Magie Continue, Le Cirque Réinventé, Saltimbanco, Quidam, Alegría, Dralion (estos cuatro últimos estrenados en España), La Nouba y Varekai. Decadencia Desde mediados del siglo XX, el circo ha tenido que competir en inferioridad de condiciones con otros espectáculos de masas como el cine y la televisión. Según ha ido avanzando el siglo, y sobre todo a partir de la segunda mitad de éste, el circo ha perdido cada vez más espectadores; si subsisten algunas grandes empresas norteamericanas y europeas, son ejemplos contados y encarnación de un tiempo mejor. Las compañías van desapareciendo, sólo quedando las más grandes y algunas pequeñas que sobreviven gracias a las actuaciones en ciudades y pueblos pequeños. Ya no atrae a tanto público como antaño y queda como un espectáculo típico para niños, cundo en su época gloriosa lo era para todas las edades. Además, se produce un proceso por el cual el circo se convierte en un espectáculo hasta cierto punto aburrido, ya que es incapaz de sorprender a las nuevas generaciones que tienen a su disposición experiencias cada vez más excitantes y sorprendentes con sólo conectar el televisor. Así, el pequeño circo empieza a representar la imagen desvaída de un pasado glorioso que ya no interesa al gran público. Ejemplos de grandes escuelas no faltan, como el Circo Ruso, Chino, etc. Lo que se pretende es devolver al circo a su esencia perdida y a un lenguaje que se perdió en buena media hace décadas para volver a ser el mayor espectáculo del mundo, pero sin copiar esquemas que no le son propios. Circo Teatro Real Esta es una obra de teatro musical que cuenta desde el humor y la ironía, la historia de un grupo de artistas, músicos, cantantes, un sindicato de payasos y un mago al que no le salen los trucos y que luchan por mantener viva la esencia del circo, a pesar que la magia parece haberles abandonado. Cirque du Soleil Cirque du Soleil es una empresa de entretenimiento canadiense y la mayor productora de circo del mundo. Fue fundada en 1984 por Gilles Ste-Croix y Guy Laliberté en Montreal, Quebec, Canadá, y su origen se remonta una década atrás, cuando Ste-Croix asumió la administración del albergue Le Balcon Vert, en la localidad canadiense Baie-Saint-Paul, un punto de reunión para jóvenes viajeros interesados en la difusión de actividades culturales y musicales. Su nombre hace alusión a la «juventud, energía, fuerza» concebida por Laliberté al momento de establecerlo como un circo con presencia internacional. Sus espectáculos combinan música, danza y actos circenses que incluyen contorsionismo, danza aérea, malabarismo, acrobacias y gimnasia sobre trapecios, alambres o cuerdas, trampolines, entre otros, y se caracterizan por tener una trama como hilo conductor de la producción. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
entrada de Ignacio Echeburua @ 21:49
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