RELATO, Un Viaje al Guggheim de Bilbao.

Hoy, nos vamos a juntar tres amigos, para acercarnos al Guggenheim de Bilbao, que expone una retrospectiva de pop-art, y aprovechando el tiempo podremos colarnos en todas las salas del Museo. Hemos quedado en la estación de autobuses PESA, a las 9:00 horas de la mañana. Nos juntaremos Ricardo, un experto en Arte contemporáneo, Yo, que me he preocupado por las cuestiones de diccionario, y Moisés, experto en Arte americano. Los tres hace ya años que dejamos la Facultad, pero la pasión por el Arte es muy difícil de dominar. A las 9:00 horas en punto se presenta en el andén el autobús correspondiente, el cual permite nuestro embarque. El trayecto es muy simple y directo, por lo que en una hora y 15 minutos nos encontraremos en Bilbao. Para atenuar la inquietante espera, yo he preparado en mi casa ciertos apuntes sobre la ciudad de Bilbao. Y, una vez sentados y acomodados, saco de un bolsillo de la americana los apuntes que tenía preparados, pidiendo la atención de mis dos compañeros. Por tanto, les digo lo siguiente: - Bilbao es hoy una referencia urbanística reconocida internacionalmente porque la fuerza de su vanguardismo se basa en la integración y el respeto a su pasado industrial. El icono de la transformación de Bilbao es el Museo Guggenheim, obra de Frank Gehry que propuso una arquitectura impresionante, de la que probablemente ya habéis oído hablar. El diseño y la arquitectura impregnan toda la ciudad, empezando por el paseo Abandoibarra, donde turistas y bilbaínos, runners y familias, se encuentran y mezclan cada día. Desde el paseo podréis divisar nuevos edificios como las torres Isozaki o la de Iberdrola. De diseño es también el metro de Bilbao y Azkuna Zentroa. En nuestra visita a Bilbao usaremos como referencia la Ría, esa arteria a través de la que llegaban los barcos en el pasado y que hoy en día sigue siendo clave en la vida de la ciudad. Siguiendo su curso encontrarás el Puente Bizcaia, joya de la arquitectura industrial y Patrimonio de la Humanidad. Recorrer la Ría y sus puentes es recorrer la historia de la Villa. El Zubizuri o la pasarela Arrupe son iconos del nuevo Bilbao y otros como el puente de San Antón, son grandes representantes de su pasado. La Ría será también la que te lleva hasta el Casco Viejo, una zona llena de vida. Recorriendo sus bulliciosas “Siete Calles” y casi sin darte cuenta estarás de pintxos o “txikiteando”. - En Bilbao, nos interesará el travía, que efectúan el recorrido Bolueta-La Casilla, con un trayecto central que vertebra el área de Abandoibarra, con paradas frente al Arriaga, el Guggenheim o San Mamés. Por su parte, Moisés pide su intervención y nos explica que: - El pop-art (palabra que viene del inglés Popular Art) es una corriente artística nacida en EE.UU. que toma elementos teóricos del dadaísmo y el surrealismo componiendo obras con elementos del mundo trivial o habitual, piezas industriales, etc. Su finalidad consistiría en provocar la reacción del espectador en un sentido múltiple: antimecanicista, estético, etc. Yo, por mi parte, doy mis últimos retazos: - A fines del siglo XIX empezó a desarrollarse el ensanche bilbaíno. Se encuentra éste en un gran meandro que forma la ría entre el Arenal y la Feria de muestras, y presenta el típico urbanismo rectilíneo de los barrios decimonónicos. Su corazón, la Gran Vía, refleja la vocación de centro financiero e institucional de Bilbao; en el hotel Carlton, sito en la plaza Moyua, se instaló en 1936 el gobierno vasco. Otros puntos de interés son la plaza de los jardines Albia y el símbolo de la proyección de la ciudad hacia el futuro que es, desde 1997, el Museo Guggenheim. - El Guggenheim no es el único centro museístico de interés de la capital vasca. Así, cabe hablar del de Bellas Artes, importante pinacoteca que concentra obras de arte del siglo XII al XVII amén de una colección de arte vasco y una sección dedicada al arte del siglo XX, y el Museo Vasco, sito en el casco viejo, en un antiguo colegio de jesuitas. En efecto, las instituciones culturales crecieron paralelamente a la economía, y Bilbao es uno de los centros de enseñanza superior más destacados de la Península. Además de la universidad, situada en Leioa, Bilbao puede enorgullecerse del prestigioso centro universitario de Deusto, regentado por la Compañía de Jesús. Dicho lo cual, el autobús PESA abre sus puertas, delanteras y traseras, para que los viajeros desciendan al andén correspondiente. Nosotros tres vamos derechos al Guggenheim. Ya sabemos que tenemos que tomar el tranvía. Finalmente, entramos por la puerta grande a este Museo. Una vez dentro, Ricardo se desploma y empieza a hablar, señalando que: - Convertido en símbolo del nuevo Bilbao, el Museo Guggenheim Bilbao constituye uno de los proyectos culturales más ambiciosos del siglo XX. La colección permanente del museo incluye fundamentalmente obras de los artistas más prominentes de las últimas cuatro décadas y se complementa con fondos prestados por la Solomon R. Guggenheim Foundation y con las programaciones especiales que auspicia la Fundación. Además, algunas salas del Museo Guggenheim Bilbao están dedicadas a montajes monográficos y otras albergan obras realizadas expresamente para este Museo. El arte contemporáneo vasco y estatal también están representados con una selección de obras que, como nuevas adquisiciones de la colección permanente, proporcionan una amplia visión de las tendencias más actuales del arte. El Museo Guggenheim cuenta con una colección propia y singular, al tiempo que complementa las colecciones del resto de instituciones Guggenheim. Los fondos del Museo cuentan con obras de algunos de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX, como Eduardo Chillida, Yves Klein, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Clyfford Still, Antoni Tàpies y Andy Warhol, por citar algunos. En cuanto a las exposiciones permanentes destacan las siguientes obras: La materia del tiempo, de Richard Serra, Instalación para Bilbao, de Jenny Holzer, Puppy, de Jeff Koons, Fuente de fuego, de Yves Klein, Mamá, de Louise Bourgeois, Tulipanes, de Jeff Koons, Arcos Rojos, de Daniel Buren o Escultura de niebla, de Fujiko Nakaya. Yo, ante la parsimonia de mis dos amigos, rompo la palabra, destacando que: - El Museo Guggenheim Bilbao acoge, entre otras actividades, exposiciones, conciertos, festivales, conferencias, proyecciones y talleres. - El Museo Guggenheim Bilbao es obra del arquitecto estadounidense Frank Gehry y representa un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 11.000 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración y su diseño innovador, conformando un seductor telón de fondo para el arte que en él se exhibe. De los tres, quien más sabe sobre Frank Gehry es, sin duda, Moisés, que como se ha dicho, es experto en Arte americano. Así, pues, escuchamos atentamente las explicaciones que nos da Moisés: - En conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura escultórica y espectacular perfectamente integrada en la trama urbana de Bilbao y su entorno. - La construcción del Museo Guggenheim Bilbao tuvo lugar entre octubre de 1993 y octubre de 1997 y el emplazamiento elegido, en una curva de un antiguo muelle de uso portuario e industrial, supuso la recuperación de la ría del Nervión para la ciudad y su reurbanización para la cultura y el ocio. - Debido a la complejidad matemática de las formas curvilíneas proyectadas por Gehry, éste decidió emplear un avanzado software inicialmente utilizado en la industria aeroespacial, CATIA, para trasladar fielmente su concepto a la estructura y facilitar su construcción. Para la piel exterior del edificio, el arquitecto eligió el titanio tras descartar otros materiales y comprobar su comportamiento en unas muestras que había en el exterior de su propio estudio. El acabado de las cerca de 33.000 finísimas planchas de titanio consigue un efecto rugoso y orgánico, al que se suman los cambios de tonalidad del material según la atmósfera reinante. Los otros dos materiales empleados en el edificio, piedra caliza y vidrio, armonizan perfectamente, logrando un diseño arquitectónico de gran impacto visual, hoy día convertido en verdadero icono de la ciudad en todo el mundo. - Frank Gehry está considerado como uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo, y es internacionalmente célebre por su arquitectura personal, que incorpora nuevas formas y materiales y es especialmente sensible con su entorno. El Museo Guggenheim Bilbao es una de sus obras más conocidas. Nos bajamos a la cafetería y en el entreacto Moisés nos sorprende claramente: - Gehry ha sido galardonado con los más prestigiosos premios en el campo de la arquitectura, como el Pritzker, que le fue otorgado en 1989 o el Premio Imperial Japonés, que le fue concedido en 1992. En la actualidad, su estudio, Gehry Partners LLP, está ubicado en Los Ángeles y Gehry continúa diseñando y dirigiendo proyectos para clientes de todo el mundo. Pero, ahora, cedemos la palabra al narrador, quien nos explica lo siguiente: Una vez en el Vestíbulo, que sirve de distribuidor, el visitante accede al Atrio, auténtico corazón del Museo y uno de los rasgos distintivos del diseño arquitectónico de Frank Gehry. Se trata de un gran espacio diáfano de volúmenes curvos que conectan el interior y el exterior del edificio mediante grandes muros cortina de vidrio y un gran lucernario cenital. Los tres niveles del Museo se organizan en torno a este Atrio central y se conectan mediante pasarelas curvilíneas, ascensores de titanio y cristal, y torres de escaleras. El Atrio, que también funciona como espacio expositivo, sirve como eje que ordena las 20 galerías que alberga el Museo, algunas de aspecto más clásico y líneas ortogonales y otras de volumetrías más orgánicas e irregulares. El juego de volúmenes y perspectivas permite disponer de espacios interiores en los que, sin embargo, el visitante no se siente en absoluto desbordado. Esta diversidad de salas ha demostrado su enorme versatilidad en las manos expertas de comisarios y diseñadores, que han encontrado la atmósfera idónea, tanto para presentaciones de obras de gran formato y medios contemporáneos como en muestras de carácter más sosegado o íntimo Además del espacio dedicado a la exhibición artística y un edificio anexo de oficinas y administración, el Museo cuenta con una sala de orientación al visitante llamada Zero Espazioa, un Auditorio de 300 butacas, una Tienda-Librería, cafetería, un restaurante tipo Bistró y un restaurante gastronómico con una estrella Michelin. El Museo está rodeado de atractivos paseos y plazas en una zona de reciente urbanización, superado su pasado industrial. La plaza y la entrada principal del Museo se encuentran enfilando la calle Iparragirre, una de las principales vías que cruza diagonalmente Bilbao, extendiendo el casco urbano hasta la puerta misma del Museo. Una vez en la plaza, el visitante accede al Vestíbulo descendiendo una amplia escalinata, un recurso infrecuente que, en este caso, resuelve con acierto la diferencia de cota entre la ría del Nervión, en cuya ribera se sitúa el Museo, y el nivel de la ciudad, haciendo factible una espectacular estructura que, sin embargo, no rebasa la altura de las construcciones circundantes. La parte más alta del edificio está coronada por un gran lucernario en forma de flor metálica que cubre el Atrio, uno de los rasgos más característicos del edificio. El exterior del Museo, cuyo perímetro puede recorrerse íntegramente, presenta diferentes configuraciones desde las distintas perspectivas y sirve también para la exhibición artística, albergando piezas de creadores como Louise Bourgeois, Eduardo Chillida, Yves Klein, Jeff Koons o Fujiko Nakaya. La parcela en la que se sitúa el edificio está surcada en uno de sus extremos por el Puente de La Salve que, desde 2007, sirve de soporte a la intervención escultórica encargada por el Museo a Daniel Buren titulada Arcos rojos / Arku Gorriak. Bajo el puente discurre la sala 104, una enorme galería libre de columnas que alberga la instalación escultórica de Richard Serra La materia del tiempo, y que se topa en su extremo con una torre, un remate escultórico del diseño arquitectónico que abraza el colosal puente y lo integra, de forma eficaz, en el edificio. Yo asumo los siguientes planteamientos, pues soy el experto en Diccionarios de Arte, y les digo que: - Un museo es un lugar donde de modo permanente se exhiben al público, colecciones y objetos de arte. Su tutela suele estar encomendada al estado, a Corporaciones de Derecho público o a Entidades benéficas o culturales. Su organización y disposición han dado modernamente lugar a una ciencia o técnica de los museos (la museología) que estudia la manera correcta de disponer, iluminar y conservar los objetos museados, con objeto de que jueguen un papel activo en la educación del visitante, no siendo considerados como objetos muertos que sólo ocasionalmente se visitan. - En origen, el Museo fue un lugar consagrado a las Musas y dedicado a actividades intelectuales. - Por otra parte, la museografía es la técnica de la clasificación, descripción y catalogación de los objetos de un museo. - Por otro lado, la museología es la técnica y ciencia del museo, de su ordenamiento como edificio, su ambientación y la de sus partes. Estudia las funciones del mismo, su estructura en tanto que elemento con un fin social y la disposición de todos y cada uno de sus elementos de modo que dicho fin sea susceptible de alcanzarse plenamente. La museología comprende a la museografía, y no al contrario. La primera es preferentemente conceptual. La segunda se realiza en la conservación y correcta disposición de las instalaciones. En otro sentido, el MUSEO organiza unas mesas cuadradas, en las que se debaten los aspectos más curiosos y extravagantes. En la mesa 1, nos encontramos los tres: Yo, Moisés y Ricardo, lo que da cierta confianza y cierta libertad. En un principio trataremos del pop-art, ya que el Guggenheim está presentando monográficamente el pop-art. Yo, como siempre, tomo las iniciativas y en este caso también. Inicio, pues, el trabajo en la mesa 1, con las siguientes palabras: - El arte ha sido uno de los métodos de expresión del ser humano durante milenios. A lo largo de la historia, han surgido muchos estilos diferentes que han caracterizado las etapas de la historia como, por ejemplo, el romanticismo, el barroco o el impresionismo. El arte ha experimentado diversas modificaciones con el paso del tiempo. Actualmente, muchos artistas realizan críticas o reflejan situaciones sociales a través de sus obras, y uno de los movimientos artísticos más populares en este sentido durante las últimas décadas, ha sido el pop art. Moisés, por su parte, propone que nos centremos en la persona y obra de Andy Warhol, haciendo él mismo el primer planteamiento: - Seguro que en alguna ocasión has visto los famosos retratos de Marilyn Monroe con diversas tonalidades. Su autor fue Andy Warhol. Este conocido artista del pop art destacó por realizar obras de diferentes celebridades, como Grace Kelly o Elvis Presley, entre otros. Además, otra de sus inspiraciones fueron los anuncios publicitarios, donde destaca su obra de las latas de sopa Campbell. Su estudio, situado en Nueva York, tuvo multitud de visitas de intelectuales y artistas. Mucho más preciso es Ricardo, quien extrae del pop-art las características que le son propias: • Representación de la cultura popular: El Pop Art se centra en la representación de la cultura popular y la vida cotidiana. Los artistas toman elementos de la cultura de masas, como anuncios publicitarios, productos de consumo, cómics, celebridades y objetos comunes, y los incorporan en sus obras de arte. Esta apropiación de la cultura popular es una de las características más distintivas del movimiento. Uso de imágenes icónicas: Los artistas pop a menudo seleccionan imágenes icónicas o reconocibles de la cultura popular y las transforman en obras de arte. Estas imágenes pueden incluir rostros de celebridades como Marilyn Monroe o Elvis Presley, logotipos de marcas famosas como Coca-Cola o Campbell's, y cómics populares como los de Roy Lichtenstein. • Estilo visual llamativo: El Pop Art se caracteriza por su estilo visual llamativo y colorido. Los artistas a menudo utilizan colores brillantes y contrastantes para llamar la atención del espectador. Además, suelen aplicar técnicas de impresión y serigrafía para lograr efectos visuales impactantes. • Repetición y serialidad: La repetición de imágenes y objetos es una característica común en el Pop Art. Los artistas a menudo crean series de obras que presentan la misma imagen o tema repetido en diferentes variaciones. Esto enfatiza la naturaleza repetitiva de la cultura de masas y la producción en serie. • Ironía y crítica social: Aunque el Pop Art celebra la cultura popular, también puede ser irónico y crítico. Algunos artistas utilizan el humor y la ironía para cuestionar los valores y las normas de la sociedad de consumo. A menudo, esta crítica se presenta de manera sutil o subyacente en las obras. • Despersonalización: El Pop Art tiende a despersonalizar las imágenes y los objetos que representa. Los artistas a menudo eliminan las características individuales de las personas retratadas y los objetos se presentan de manera uniforme y estandarizada. Esto refleja la uniformidad de la cultura de masas. • Intersección con la publicidad: El Pop Art se cruza con la publicidad y a menudo se inspira en ella. Algunos artistas incorporan elementos publicitarios directamente en sus obras, como lemas o logotipos de marcas, mientras que otros utilizan técnicas publicitarias para crear impacto visual. • Celebridad de los artistas: Los artistas pop a menudo se convirtieron en celebridades en sí mismos. Su trabajo a menudo se asociaba con la cultura popular y la fama, y algunos artistas se convirtieron en figuras influyentes en la escena artística y cultural de la época. Y, poco a poco, va discurriendo el día. Pero la centralidad las mantiene Guggenheim y Moisés le dedica estas simples palabras: - Desde otro punto de vista, añadiremos que el Museo Guggenheim de Bilbao se trata de un museo de arte moderno y contemporáneo inaugurado el 18 de octubre de 1997 y situado sobre la margen izquierda de la ría de Bilbao, antiguamente ocupada por astilleros y depósitos portuarios. Se encuentra ubicado en un emblemático edificio diseñado por el arquitecto canadiense, afincado en los Estados Unidos, Frank O. Gehry, quien concibió su diseño como un conjunto de edificios de piedra caliza conectados entre sí, que forman una compleja estructura que sostiene una cubierta de titanio con una superficie de 26.000 m2. Yo, ahora, añado lo siguiente: - La Solomon R. Guggenheim Fundation, creada en 1937, posee una de las mejores colecciones de arte moderno del siglo XX, resultado de compras y donaciones que han ido enriqueciendo la colección original, como las de Nierendorf (1948), Dreier (1960), Tannhauser (1978), Peggy Guggenheim (1979), Panza di Biumo (1990) y la Robert Mapplethorpe Fundation (1992). Además del Museo de Bilbao gestiona dos en Nueva York (el Solomon R. Guggenheim Museum y el Guggenheim Museum SoHo), uno en Las Vegas (Guggenheim Hermitage Museum), uno en Berlín y otro en Venecia (Peggy Guggenheim Collection). La colección incluye piezas de artistas como Picasso, Kandinsky, Chagall, Paul Klee, Kirchner, Delaunay, Brancusi, Calder, Dubuffet, Albers y Pollock, entre otros. - El Museo Guggenheim Bilbao mantendrá su propia colección en la que ya se encuentran obras de los americanos Mark Rothko, Clyfford Still y Willem de Kooning y del pintor neoexpresionista alemán Anselm Kiefer. El narrador, nuevamente, nos explicará lo siguiente: El edificio del museo ocupa uno de los extremos del antiguo territorio industrial denominado Abandoibarra que, a pesar de formar parte del corazón de Bilbao, nunca había sido de uso urbano. Limitado por el puente de La Salve, importante vía de acceso a la ciudad, éste se integra dentro de la construcción mediante una galería que pasa por debajo, y que se eleva después en una torre básicamente ornamental. La estructura atornillada está formada por un entramado de tubos metálicos de acero al carbono, cada uno con una longitud y orientación propia. Las 33.000 placas de titanio que recubren gran parte del museo y cuyo peso supera las sesenta toneladas se sujetan a la estructura por medio de grapas. De los 24.000 m2 construidos, 11.000 son ocupados por diecinueve galerías distribuidas en tres plantas que combinan espacios de perfil rectangular con otros de proporciones singulares, dando al museo una versatilidad excepcional. El impresionante edificio es el resultado de cuatro años de trabajo y una inversión cercana a los 23.000 millones de pesetas y su construcción ha dado prestigio internacional a las empresas que lo han realizado. El 4 de noviembre de 1998 el Consejo de Ministros le concedió a esta institución la Medalla de oro al Mérito de las Bellas Artes, por el gran éxito de público que obtuvo en su primer año de existencia, con casi un millón y medio de visitantes. Aclaramos que el expresionismo fue un movimiento artístico nacido a fines del siglo XIX, opuesto al realismo que caracterizaba a los impresionistas. Se preocupa mucho menos de reproducir … la realidad aparente y sus formas o armonías, que de trasladar al arte la expresión de los sentimientos y del mundo de las vivencias interiores del artista. Habitualmente sus obras más típicas intentan reflejar, de modo brusco e inquietante, las angustias y sentimientos del hombre ante la incertidumbre de los tiempos contemporáneos. No obstante, el término puede hoy aplicarse a cualquier tendencia a acusar violentamente la expresión con merma de otros valores o contenidos, por analogía con el expresionismo histórico. Asimismo, han ocupado un sitio en sus salas las obras surrealistas, siendo el surrealismo una tendencia literaria y artística nacida en Francia hacia 1924, bajo el patrocinio de André Breton. La ausencia de controles racionales sobre la expresión caracteriza a este movimiento, que usa profusamente de imágenes de procedencia psíquica, onírica y subjetivista, procurando reflejar lo inconsciente y subconsciente en oposición a lo factual y objetivo. Dalí, Miró, Ernst y Arp son algunos de sus nombres principales. En origen, tiene relaciones con el dadaísmo. Es más, en sus salas se han podido contemplar obras de pop-art, que es una corriente artística nacida en EE.UU. que toma elementos teóricos del dadaísmo y el surrealismo componiendo obras con elementos del mundo trivial o habitual, piezas industriales, etc. Su finalidad consistiría en provocar la reacción del espectador en un sentido múltiple: antimecanicista, estético, etc. No puede olvidarse alguna colección de arte fauve. Recordaremos que el fauvismo es un movimiento en que sus pintores emplean sólo tonos puros, inventados, sin relación con la realidad, surgido en 1905. Negaron la licitud de buscar la forma a través de la luz y la sombra o la representación del espacio basada en el claroscuro. Por lo demás, carecieron de programa fijo, adoptando cada artista la vía expresiva más adecuada a sus ideas. Sus precedentes son postimpresionistas, como Van Gogh, y su principal representante artístico y teórico fue H. Matisse que agrupó a sus compañeros en el Salón de Otoño, en 1905. El nombre de fauves (silvestres, salvajes) fue empleado despectivamente por la prensa. Braque y Dufy se unieron al grupo. Ricardo, haciendo gala de precisión, expresará por último que: - Se han citado cuatro movimientos artísticos, pero sus salas han conocido otros, como el cubismo, el suprematismo, el dadaísmo, etc., etc. En sus colecciones exterioriza su plan de vida, ya que se trata de un Museo vivo, que, aparte de su colección permanente, sabe echar mano de otros recursos. El pop-art tiene como sus principales artistas: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann y Andy Warhol. VOCABULARIO Neoexpresionismo Este movimiento surge en Alemania a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior. Lejos de las improntas que el minimal art había impuesto junto con otras corrientes de orden abstracto, todas las cuales valoran el concepto de la obra en detrimento de cualquier sentido de espontaneidad, el neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. Son varios los artistas del expresionismo que sirven de guía a los neoexpresionistas: Max Beckmann, James Ensor, George Grosz, Edvard Munch o Emil Nolde. Sin embargo, los Die Neue Tilden (Nuevos Salvajes), denominados así por Wolfgang Becker, poseen frente a los creadores vanguardistas un carácter aún más libre. Crearon obras de gran formato, abordaron temáticas que podríamos calificar como descarnadas, a veces de índole sexual (el cuerpo humano está muy presente), y se sirvieron de técnicas burdas o agresivas. Aunque el recuerdo del Expresionismo no se perdió tras 1945, sí se considera que el Neoexpresionismo fue el primer movimiento de postguerra en abordar sin ambages la historia alemana, época nazi incluida. Su duración fue inversamente proporcional a su popularidad. Dadaísmo Movimiento antiacademicista, nacido en 1915 y por lo tanto en plena Guerra Europea, como protesta contra cualquier orden establecido o cualquier sistema racionalizado y sujeto a normas. Los sentimientos de angustia, de absurdo, de anonadamiento, de desastre universal a que abocaba en sus consecuencias el mundo capitalista, convirtieron a los dada en gentes negativistas y desconcertantes, cuyo impulso se perdió con la presencia joven del surrealismo, que articuló un sistema más complejo y expresivo basado en el psicoanálisis, donde se expresaban sensaciones semejantes pero más ricas, complejas y universales. Su fundador fue el rumanoTristán Tzara en 1916.El nombre de dada, hallado hojeando al azar el diccionario francés de Larousse, significa el primer sonido emitido por el niño, sin expresión ni consciencia. En 1922 se escindió el movimiento. Expresionismo histórico El Expresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló en Alemania entre 1910 y 1925, alcanzando su desarrollo después de la Primera Guerra Mundial. Este movimiento se manifestó primero en la pintura, luego en la literatura y después en otras artes como el cine y el teatro. Op-Art (del inglés Optical-Art). Arte que busca efectos luminosos y ópticos, móviles y contrastados, a base de procedimientos combinados con recurso al magnetismo, la electricidad, la teoría de los colores y los principios de la óptica, tanto física cuanto fisiológica. Action-Painting Corriente del arte abstracto, en su versión expresionista, especialmente difundida en los EE.UU. de América, que intenta transmitir el espontaneísmo de la acción de pintar con colores aplicados sin orden preestablecido. Tiende, más que a representar una acción, a ser, por sí misma, acción. Abstracto Llámase así al arte no figurativo, es decir, al que sostiene que un conjunto de líneas, colores y formas, sin ninguna relación con formas identificables, puede expresar adecuadamente emociones íntimas, sugestiones, etc. Su apogeo, en torno a los años veinte y sobre todo alrededor de Mondrian, Kandinsky, etcétera, lo llevó a la subdivisión en ciertas tendencias, algunas de las cuales –también llamadas abstractas- aún mantenían débiles vínculos con el mundo natural. Dinamismo plástico Ismo contemporáneo italiano, futurista, que se caracteriza por su preferencia por la velocidad pura, incluso independizada del movimiento. Sus hombres más representativos son Carrá, Marinetti y Severini. Expresionismo abstracto El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana. Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal característica es la libertad. Los expresionistas abstractos fueron unos tipos (y tipas) fascinados por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno. Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años. ---------------------------------------------------------------------