NOVELA, Pablo Picasso y el 'Guernica'.

Sobre el Guernica Hoy, he ido a buscar a mis tres sobrinos para llevarlos a conocer bien el “Guernica” de Pablo Ruíz Picasso. Son tres niños, un chico –John- y dos chicas –Leticia y Ana-Cristina-, de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años, por lo que su entendimiento ya tiene suficiente amplitud para entender determinadas cosas. En la actualidad, este cuadro se halla instalado en el Museo Nacional Reina Sofía. Pero, en su día yo lo contemplé por primera vez en el Casón del Buen Retiro, en donde tuve la oportunidad de verlo y estudiarlo, tras la modificación de su interior en 1981. Así, pues, empezando la casa por los pies, vamos a dedicar algunas palabras al Palacio del Buen Retiro. Se trata de un antiguo palacio real mandado construir por el conde-duque de Olivares en las afueras de la ciudad de Madrid del siglo XVII, actualmente casco urbano, como residencia de Felipe IV. Cuando en el año 1502 los monjes jerónimos se instalaron en el Real Monasterio que lleva el nombre de la Orden, se construyó a su lado "un cuarto" para hospedar a los Reyes. Durante el reinado de Felipe III el mencionado cuarto pasó a denominarse Retiro Real o Buen Retiro, dado que el monarca lo utilizó en numerosas ocasiones para aislarse en retiro. Tras la muerte de Felipe III, el conde-duque de Olivares construyó en su lugar un palacio. Las obras del palacio se iniciaron en 1632 según proyecto de Alonso Carbonell, quien concibió un edificio sencillo y sobrio en la línea de la típica construcción barroca de los Austrias: extenso patios porticados de planta rectangular en torno a los cuales se disponen las habitaciones, y lienzos regulares en las fachadas a base de ladrillo combinado con piedra en las esquinas y/o embocaduras en las ventanas. Junto con el palacio se construyeron los jardines del Buen Retiro, actual parque del Retiro, también en estilo barroco, con formas cuadradas más o menos geométricas pero más alejados de la influencia francesa. Del conjunto palaciego originario tan sólo se conservan dos partes: la que correspondía al Salón de Reinos, sede hoy día del Museo del Ejército, y el denominado Casón del Buen Retiro, que era el pabellón de fiestas del palacio. El Caserón del Buen Retiro fue un pabellón de fiestas anexo al Palacio del Buen Retiro, al que estaba unido por medio de un pasadizo cubierto. En el siglo XIX se levantan sus dos fachadas principales y queda con su actual aspecto, debido a los arquitectos Mariano Cardedera y Ricardo Velázquez Bosco. Evidentemente, no les hago partícipes de toda esta información, para que no piensen que les quiero machacar la cabeza. Para apaciguar la ansiedad de mis tres sobrinos, les cuento a modo de resumen que: - Picasso aceptó pintar un cuadro para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. Guernica fue su respuesta al encargo del Gobierno de la Segunda República española, en plena Guerra Civil. Emblemático por su historia y por los valores simbólicos que representa -tanto artísticos como políticos-, que sintetizan los debates de su tiempo, a su carácter referencial para el arte moderno se añade el hecho de que, ya en el momento de su creación, se reconoció Guernica como símbolo antibelicista y de lucha por la libertad, valores que encarna aún en nuestros días. Olvidándome por un momento de la pintura, os confesaré que mi sobrina Ana-Cristina es la más despierta de los tres, aunque también es la de mayor edad, 16 años. Es la más inquieta y curiosa, y siempre guarda en la recámara una odiosa pregunta que hace cuando tú crees que ya has terminado toda la explicación. El chico, el más joven con 12 años, es un tanto rémora y bastante despistado para apreciar los pequeños detalles. No obstante, Leticia, la mediana con 14 años, inicia la retahíla de preguntas, en los siguientes términos: - ¿Por qué pintó Picasso el “Guernica”. A lo que contesto con una majestuosa tranquilidad: - Para evitar equívocos, tenemos que decir que Picasso nació en la ciudad española de Málaga y nunca estuvo en Gernika. Cuando estalló la Guerra Civil, Picasso residía en Paris y el Gobierno de la II República encarga al pintor un mural para el pabellón español en la Exposición Universal, que iba a celebrarse en esa ciudad durante el mes de junio. Al principio, Picasso no tenía una idea clara sobre el tema para este mural, hasta que el 26 de abril de ese año se produce el bombardeo de la villa de Gernika. Los periodistas que se encontraban en Bilbao cubriendo los acontecimientos de la Guerra Civil, y sobre todo el corresponsal británico George Steer, dieron a conocer la noticia de este bombardeo en el mundo entero. De hecho, dos días después del bombardeo, la noticia aparecía en portada de los periódicos más importantes del mundo democrático (este suceso fue censurado en aquellos países bajo dictaduras implicadas, como la España “nacional”, Portugal, Italia, Alemania y Japón). Picasso conoce el hecho por la prensa internacional y a través de varios amigos decidiendo así plasmar este terrible suceso en su obra. Por su parte, Ana-Cristina aseverará lo siguiente: - Claro está que el bombardeo de Gernika en 1937 fue la masacre que inspiró a Picasso. –A lo que añadirá que- Aunque Gernika era y es desde tiempos inmemoriales un lugar cargado de simbolismo e importancia para todos los vascos, como símbolo de la democracia y los derechos históricos, es gracias a Picasso que la villa de Gernika se conozca hoy en día a nivel internacional como un símbolo de los bombardeos de terror y, por extensión, de los horrores de la guerra. A lo que yo, tomándome mi tiempo, comento que: - El lienzo del “Guernica” fue inaugurado en el pabellón español de la Exposición Universal de París el 12 de julio de 1937 y exponía su crítica a las guerras en general y también a las dictaduras fascistas europeas emergentes en aquella época (Hitler en Alemania, Mussolini en Italia, Franco en España). Sin embargo, París no acogió el “Guernica” con el asombro y entusiasmo que después provocaría. La gente se sentía repelida por un cuadro en el que no veían más que la terrible imagen de la guerra, ausencia de color y unas figuras que no entendían. La crítica tampoco entendió ni valoró el cuadro de Picasso. Finalizada la Exposición Universal, el cuadro viajó por Europa y Estados Unidos. Jhon, el pipiolo, no se queda atrás y pregunta en tono imperioso: - ¿Dónde estuvo el “Guernica” antes de llegar a España? Tío háblame de sus ubicaciones. Y, ni corto ni perezoso, le explico que: - La intención de Picasso era donar el cuadro al pueblo cuando el estado español volviera a ser un régimen democrático, de modo que el lienzo permaneció en Nueva York hasta el 10 de septiembre de 1981, fecha en la que el cuadro fue trasladado a Madrid. Primero se instaló en el Casón del Buen Retiro (edificio anexo al Prado) bajo fuertes medidas de seguridad, protegido con un cristal antibalas, escolta policial, etc. Desde 1992 el cuadro puede ser admirado en el Museo Reina Sofía donde se encuentra en la actualidad, después de haber sido exhibido en 30 ciudades de Europa y América, entre ellas: Copenhague, Estocolmo, Londres, Chicago, Sao Paulo, Milán, Munich, Hamburgo, Bruselas, Amsterdam… El MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA, conocido comúnmente como MUSEO DE ARTE REINA SOFÍA, es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo con sede en Madrid. Tomó como sede el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo XVIII situado en la zona de Atocha, cerca de la estación homónima de tren y de la Estación del ARTE DE METRO. Este hospital fue diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, y actualmente se le conoce como edificio Sabatini en honor a este arquitecto italiano. El museo como tal fue inaugurado en 1992, si bien el edificio ya había albergado exposiciones temporales en años previos. En septiembre de 2005 se ampliaron las instalaciones de la institución con la apertura del edificio Nouvel en el inicio de la Ronda de Atocha. El Reina Sofía es el vértice sur del conocido como Triángulo del Arte de Madrid, que incluye a otros dos célebres museos: el Prado y el Thyssen-Bornemisza. Forma parte del denominado Paisaje de la Luz, paisaje cultural declarado Patrimonio de la Humanidad el 25 de julio de 2021. En la colección permanente del museo destaca un núcleo de obras de grandes artistas españoles del siglo XX, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. Son muy relevantes también las colecciones de arte surrealista (con obras de Francis Picabia, René Magritte, Óscar Domínguez o Yves Tanguy, además de los ya citados Miró y Dalí), del cubismo (que a la colección Picasso añade nombres como Juan Gris, María Blanchard, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger o Albert Gleizes), y la presencia de artistas de la Nueva Figuración, como Francis Bacon o Antonio Saura. Junto a estos autores hay muchos otros de diversas tendencias tan destacados como Lucio Fontana, Yves Klein, Diego Rivera, Andreu Alfaro, Alexander Calder, Roberto Matta, Mark Rothko, Antonio López García, Antoni Tàpies, Soledad Sevilla, Carmen Laffón o Sam Francis. El número de visitantes ha ido aumentando progresivamente hasta convertirse en el museo más visitado de España y uno de los más visitados del mundo. Estos datos y la activa política de adquisiciones le han situado en un puesto de privilegio entre los museos internacionales de arte contemporáneo. Según The Art Newspaper, basándose en datos facilitados por los propios museos, el número de visitas en 2016 fue de 3 646 598, récord histórico, situando al Reina Sofía como el museo de arte más visitado en España y el decimoprimero a nivel mundial, consiguiendo superar al MoMA y al Prado. El museo está dirigido por Manuel Segade, que ha sido elegido en el año 2023 nuevo director del Museo Nacional Centro Reina Sofía y sustituyó a Manuel Borja-Villel, que anunció en enero que no presentaría su candidatura para continuar al frente del museo tras quince años en el cargo. Segade llevaba siendo el director del Museo Centro de Arte Dos de Mayo, en Móstoles, durante casi 10 años. Es licenciado en Historia del Arte por la Universidad Santiago de Compostela y ha desempeñado cargos en la Fundación Rafael Tous d'Art Contemporani de Barcelona, en el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago y el Centre National des Arts Plastiques en Francia. Por nuestra parte, nos vamos a tomar una libertad para puntualizar que desde 1997 existe en Gernika una reproducción en cerámica de dicho lienzo con la inscripción “Guernica Gernikara” debajo, una reivindicación del pueblo vasco para que el cuadro sea trasladado y expuesto en el lugar que sirvió de inspiración a Picasso para pintarlo: Gernika. Como curiosidades del “Guernica” podemos enumerar las siguientes: • Se han contabilizado hasta 45 bocetos de la obra lógicamente con sus distintivas diferencias. En una de las obras, por ejemplo, Picasso pintó un puño en alto como símbolo de la resistencia e incluso hay bocetos a todo color. • En el año 1970 Picasso escribe una carta al MOMA para que el “Guernica” sea devuelto “cuando en España se restablezcan las libertades públicas” • Antes de exhibirse en el Museo Reina Sofía de Madrid, el cuadro se expone en una urna blindada en el Casón del Buen Retiro hasta 1992, cuando el cuadro se traslada a su actual emplazamiento. • El Guernica de Picasso llega por primera vez a España el 10 de septiembre de 1981en un vuelo regular de Iberia y el capitán de la nave lo anuncia en cabina a su llegada a Madrid ante los desconcertados pasajeros. Pero Leticia tiene que soltar la lengua e inmediatamente interpela: - Tío dame los detalles del bombardeo de Gernika. Y, sin perder un segundo, le respondo: - El bombardeo de la villa tuvo lugar el 26 de abril de 1937. El ataque fue fundamentalmente dos cosas: un bombardeo de terror y un experimento de guerra. No contento con la réplica, mi sobrino pregunta lo siguiente: - ¿Quién bombardeó Gernika y por qué? A lo que contesto extensamente y con minuciosidad: - Gernika fue la primera localidad objeto de un bombardeo concebido: 1. Como experimento militar a gran escala mediante el uso masivo de bombas (se lanzaron entre 31 y 41 toneladas de bombas). 2. Siguiendo un plan de ataque que se utilizaría en otros lugares de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. A lo que, como coletilla, añado que: - Este bombardeo fue un perfecto campo de pruebas para la recién creada Luftwaffe, fuerza aérea alemana. El supuesto objetivo oficial, era la destrucción del pequeño Puente de Renteria para detener la retirada de las tropas vascas hacia Bilbao. Sin embargo, la desproporcionada fuerza del ataque, nos indica que también fue una de las mejores formas de desmoralizar a las tropas, desanimar a la población civil y precipitar así la futura caída del Frente Norte. Da la impresión de que tienen las preguntas a punto según un orden establecido. Ana-Cristina preguntará muy agudamente que: - ¿Cuánto duró el bombardeo? Y ¿cuál fue el plan de ataque? Siguiendo al pie de la letra las preguntas, yo sostengo que: - El 26 de abril de 1937 era lunes, día de mercado. Para esa fecha se respiraba en la zona cierto nerviosismo, debido sobre todo al reciente bombardeo de la vecina ciudad de Durango, situada a unos 30 km de la villa. A pesar de todo, el mercado se celebró como solía y en total, el número de personas que habría en aquel momento en Gernika, aunque muy difícil de precisar, rondaría las 10.000 – 12.000 personas. Y completo lo dicho, con las siguientes aseveraciones: - A las 16:20 de este día, las campanas de la iglesia de Santa María alertaron a la población de la llegada de los aviones enemigos. La mayor parte de estos aviones pertenecían a la “Legión Cóndor” alemana, y en menor medida, a la “Aviazione Legionaria” italiana. Los aeródromos que sirvieron de base para el bombardeo fueron los situados en Vitoria, Burgos y Soria. Tras el aviso, los gernikeses corrieron a protegerse en los distintos refugios que se habían construido, donde permanecieron casi cuatro horas hasta que terminó el bombardeo. Fue un ataque incesante sin apenas intervalos entre las diferentes oleadas que se planificó utilizando la siguiente táctica: 1. Primero se emplearon bombarderos y algunos cazas para alertar a la población y forzarla a introducirse en los refugios, en el centro de la villa. Posteriormente los cazas volaron en círculo evitando que nadie escapara del núcleo urbano. 2. Las primeras bombas lanzadas fueron bombas rompedoras de entre 50 y 250 kg. de peso para destruir los edificios. Las bombas rompían los tejados y al caer al suelo formaban unos cráteres enormes. Así, dejaban al descubierto toda la estructura y elementos de madera de las casas de la época. 3. Seguidamente, se lanzaron bombas incendiarias. Estas bombas tenían entre 1 y 2 Kg. de peso, estaban hechas de acero y contenían una aleación de magnesio, aluminio y zinc, que al entrar en contacto con otros metales reaccionaba y provocaban un fuego incontrolable con temperaturas de más de 1.500 grados centígrados. En consecuencia, se produjo un enorme incendio en Gernika, que pudo verse desde pueblos situados a muchos kilómetros. 4. Finalmente los supervivientes que intentaban escapar del centro urbano fueron ametrallados por los cazas que volaban en picado hasta menos de 50 metros de altitud. Actuaban en los accesos a Gernika, volando en círculos para mantener a la población dentro del perímetro de fuego. El centro de Gernika se componía de calles muy estrechas y casas unidas entre sí, lo que facilitó la propagación del fuego. Y muy lógicamente, Leticia se pregunta: - ¿Cuál fue el resultado de semejante salvajada? A lo que yo mantendré, por último, que: - Según el informe del Servicio Nacional de Regiones Devastadas – un organismo de la dictadura destinado a evaluar los daños materiales provocados durante la guerra, así como los posteriores trabajos de reconstrucción- el 85,22% de los edificios, un total de 271, fueron totalmente destruidos y el resto parcialmente afectados. El Gobierno de Euskadi, por su parte, registró 1.654 víctimas mortales. Pero nos hemos atiborrado de bombas y también conviene decir algo de Guernica-Lumo. Este municipio perteneciente a la Comunidad Autónoma del País Vasco, en la provincia de Vizcaya, situado al NO de la misma, en el valle de Oca, a 10 m de altitud, y al comienzo de la ría de Mundaca o de Guernica, que dista 33 km de Bilbao, la capital provincial. Cuenta con 16.000 habitantes y su término municipal ocupa una extensión de 15,63 km2. Originariamente se erigió en el territorio de la anteiglesia de Luno, en el lugar en que se alza el roble bajo el que se reunían, ya desde el siglo IX, las juntas del señorío llamadas batzarrat. En el año 1366 el conde de Vizcaya, don Tello, hermanastro de Pedro I de Castilla, le concedió el título de villa y le otorgó el Fuero de Logroño. Su estratégica situación como encrucijada de caminos y punto de encuentro de los peregrinos que se dirigían a Santiago por la costa y los marítimos que desembarcaban en Bermeo, fueron factores decisivos para convertirla en el centro comercial de la comarca y, sobre todo, en el centro político de la provincia. Como hemos visto tristemente, la ciudad es trágicamente conocida en el mundo entero por la obra de Picasso, El Guernica, que muestra el horror del bombardeo de los aviones de la Legión Cóndor alemana el 16 de abril de 1937. En pocas horas quedó reducida a un montón de escombros y murieron alrededor de 2.000 personas. Gernika es centro comarcal del valle del Mundaka, con importante producción agrícola e industrias tradicionales de armas y platería, y modernas siderúrgicas y de materias plásticas. A todo ello añadir sus destacadas actividades comerciales y administrativas. La cocina guerniquesa obtiene sus principales ingredientes de las huertas donde se cultivan los mejores productos con los que se elabora la menestra, uno de sus platos más apreciados. Picasso se sintió obligado a documentar el hecho largamente comentado para las generaciones venideras. El resultado fue un enorme lienzo de casi 4 metros de alto por más de 8 de ancho que es hoy la ilustración perfecta de los desastres de la guerra, tomando la herencia del arte-denuncia de Goya. Picasso pintó su “Guernica” en blanco y negro, evocando deliberadamente las fotografías de los periódicos para dar una mayor sensación de realidad documental. Soldados muertos, mujeres llorando (tres retratos de tres de sus amantes), caballos gritando, palomas heridas, toros, fuego, una bombilla iluminando la horrible escena… Un caos moderno para alertar a un mundo que estaba a punto de arder. Sólo esa lámpara que lleva la mujer en su mano y una flor que crece solitaria en el suelo nos dan algo de esperanza de que semejante locura no vuelva a ocurrir. Gernika, oficialmente Gernika-Lumo, es una localidad que cuenta con innumerables atractivos. En la plaza de los Fueros, presidida por la estatua de Don Tello, fundador de la villa en el año 1366, se encuentra el Museo de la Paz. Este museo recuerda el trágico bombardeo de Gernika el 26 de abril de 1937 a manos de la aviación alemana. Se recomienda también una visita al Parque de Europa y a la Casa de Juntas, donde se ubica el actual salón de plenos de las Juntas Generales de Bizcaia, con su mítico árbol, emblema de los fueros y las libertades vascas. Además, Gernika se halla dentro de la Reserva de la Biosfera de Urdaibai, uno de los humedales más importantes de Europa y de una riqueza ecológica extraordinaria. Pero las playas de la zona también son dignas de visitar, tanto Laida como Laga no os dejarán indiferentes. Situada en la comarca de Busturialdea, es una villa con mucha historia, como ya hemos dicho en otro momento. No podemos marcharnos de Gernika sin visitar su pujante mercado semanal, el más importante de cuantos se celebran en Bizcaia. Cada lunes, vendedores y compradores se sumergen en un festival de olores, colores y sonidos. Además, en octubre, hay ferias especiales, de ganado el primer lunes y agrícola en el popular “Último lunes de Gernika”, que congrega cada año a miles y miles de personas procedentes de todo el País Vasco. Y, tras hacer nuestro intermedio obligado, volvemos a la carga. Haber Ana-Cristina hazme un pequeño resumen sobre las ubicaciones del Guernica de Picasso. La chiquilla se lo piensa, pero nos dice que: - El mural «Guernica» fue adquirido a Picasso por el Estado español en 1937. Debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el artista decidió que la pintura quedara bajo la custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta que finalizara el conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MoMA por tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981. Tanto los bocetos como el cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario, constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días. Abriendo un breve paréntesis, señalaremos que la iconografía es la ciencia que estudia el origen, formación y desarrollo de los temas figurados y de los atributos con que pueden identificarse y de los que usualmente van acompañados. En realidad, bajo esta denominación se comprende también la iconología. Las dos grandes series iconográficas del arte occidental, son la mitológica clásica y la cristiana, que han dado lugar a densos y voluminosos estudios, repertorios, diccionarios, etcétera. Por otro lado, la iconología es la ciencia que estudia el sentido que las formas, imágenes, etc., de una obra, poseen en cuanto concierne a lo alegórico o lo simbólico. Pregunto: ¿qué nos dicen la iconografía y la iconología del “Guernica” de Picasso?, contesta Leticia. La muchacha se lo piensa un poco, pero corriendo como una liebre exclama: - El Guernica ha suscitado numerosas y polémicas interpretaciones, circunstancia a la que contribuye indudablemente la voluntaria eliminación del lienzo de cualquier tonalidad ajena a la grisalla. Al analizar su iconografía, se divide a los actores de esta composición piramidal en dos grupos, el primero de los cuales está integrado por tres animales: el toro, el caballo herido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en llamas. Por nuestra parte, añadiremos ahora que, en este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años antes, en 1935, Picasso había grabado al aguafuerte la Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica. Queda bien claro que el Guernica es un cuadro de Pablo Ruíz Picasso, que fue pintado entre los meses de mayo y junio de 1937. Fue realizado por encargo del director general de Bellas Artes, Max Aub, a petición del Gobierno de la Segunda República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena guerra civil española. Su interpretación en profundidad es objeto de controversia, ya que varias figuras son simbólicas y suscitan opiniones dispares; pero su valor artístico está fuera de discusión. No solo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo xx, sino que se ha convertido en un auténtico «icono del siglo xx», símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos. El crítico Robert Hughes afirmó del Guernica que era «la última gran pintura histórica», y que fue así mismo el último lienzo moderno de relevancia en utilizar un tema político para concienciar al público, labor que a finales de la Segunda Guerra Mundial pasaría a realizar la fotografía bélica. El Guernica es un óleo sobre lienzo de lino y yuta, de 776,6 cm de largo y 349,3 cm de alto. Ana-Cristina antes de seguir adelante, acláranos todo lo que sepas sobre el óleo. Mordiéndose las uñas, la chica salta: - El óleo constituye una técnica de pintura que consiste en disolver los colores en un aglutinante oleoso, como el aceite de linaza, el de nuez o aceites animales. Para que se seque mejor se le añaden cuerpos volátiles como el aguarrás. Permite una gran variedad de efectos pictóricos. Dicho lo cual, seguimos con el Guernica. No es un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco, el negro y una variada gama de grises. Jhon, ¿en qué consiste la grisalla? Se toma su tiempo y responde: - La grisalla es una composición pintada a base exclusivamente de la gama del gris, del blanco y del negro, imitando el efecto del bajo relieve. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían: a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. En el cuadro aparecen representados doce símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes: Ahora, destacaremos que debido a la complejidad que adquiere el cuadro, nuestros tres interlocutores, Jhon, Leticia y Ana-Cristina, van a limitarse a escuchar mis explicaciones. • Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse impasible ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba «brutalidad y oscuridad». Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato y, junto con la mujer con niño muerto, sería, según José Arturo Visedo, la imagen en espejo de Velázquez con Agustina Sarmiento, "Las meninas". • Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la Pietà; esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Según la muy discutida interpretación de Juan Larrea, el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco. Sin embargo, para Visedo se trata de la República huyendo de Madrid hacia fuera del lienzo (hacia Valencia) al tiempo que se dirige al toro, Picasso, en demanda de ayuda (ayuda en forma de propaganda participando en la Feria de París). • Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegoría de la música, una de las artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid. En los bocetos fechados en abril, la música estaba representada por una oreja. • Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando que es una talla rota; es decir, la escultura, otra de las artes destruida por los rebeldes. • Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social, pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un sol. Para Visedo es un guiño al título de la exposición (de las artes, en la vida moderna). El sol es Pegaso, el caballo alado que salió de la herida del costado del caballo-yegua, convertido en constelación (Pegaso) y representando el arte puesto a salvo. • Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso. Según la versión de Visedo, Pegaso representa el arte. Picasso cuenta en el lienzo que las obras de arte que contenía la Pinacoteca del Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid. Esta yegua, con el quinqué y la constelación de Pegaso, forma un trío que recuerda a La Trinidad, cuadro del Greco, aunque en espejo. • Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con la mano izquierda, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra, en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración, significando probablemente la pérdida de sangre. La hemorragia se puede deducir de un sombreado oscuro que aparece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. Ella lleva un tocado ridículo y, en retoques previos, Picasso la había pintado llorando, tal como representaba siempre a Dora Maar, su amante. • Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene una mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana. No obstante recuerda a Marie-Thérèse Walter en Mujer con vaso, una de las esculturas que Picasso cedió para ser expuestas en el pabellón español de la Exposición Internacional de París. • Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las bellas artes que están siendo destruidas, en este caso a la arquitectura. • Hombre (¿mujer?) implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid. Es la forma artística de decir «basta de guerras». En opinión de Visedo esta figura tiene pecho femenino, salta, vuela o danza con las alas ovaladas que tiene a ambos lados. Para este autor representa a Olga Khokhlova, bailarina del ballet ruso, su esposa, a quien quema «para olvidarla» y a quien en los momentos iniciales del mural la dispuso sobre una pira de leña. Al destruirla quemándola también está representando la destrucción de la danza (otra de las artes) por los sublevados. De ser correcta la interpretación de la figura como femenina, se deduce que Picasso se retrató como Velázquez en un lateral y colocó a las tres mujeres con las que actualmente tiene algún tipo de relación en este escenario: a Marie-Thérèse Walter con quinqué (como en La minotauromaquia, su inspiración); a Dora, su actual amante, la mujer que llora, en actitud implorante; y a su esposa, Olga, bailarina que le está haciendo la vida imposible, quemada entre los restos del Madrid bombardeado, se lamenta por su hijo. • Flecha oblicua. Está situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá. La flecha es considerada por otros, símbolo de la guerra; en concreto, de la guerra civil española. En otro orden de cosas, el director general de Bellas Artes, Ricardo Orueta, tuvo en 1933 la idea de montar una exposición de obras de Picasso en Madrid, pero el escritor y embajador de España en París, Salvador de Madariaga, le hizo desistir del proyecto al informarle de que la actitud del pintor era «francamente grosera (…) para mi personalmente y para el embajador de su país». Eran pocos en España los que entonces defendían la importancia de la obra de Picasso. Entre ellos estaba Manuel Abril, Premio Nacional de Literatura en 1934 con una obra, De la naturaleza al espíritu, en la que hacía un encendido elogio y una ardiente defensa del pintor. Cuando en enero de 1936 se llevó a cabo una exposición retrospectiva de Picasso en la sala Esteva de Barcelona, organizada por la asociación ADLAN (Amigos de las Artes Nuevas), fue recibida con hostilidad por la prensa. La exposición viajará más tarde a Madrid y Bilbao. Tras el inicio de la guerra civil española en julio de 1936, por iniciativa personal del pintor Josep Renau, por entonces director general de Bellas Artes, se decidió nombrar a Picasso director honorario del Museo Nacional del Prado. El artista aceptó emocionado el nombramiento, que se hizo efectivo en septiembre de 1936, aunque jamás llegaría a tomar posesión de su cargo. Para la República, se trataba sobre todo, en tiempos difíciles para su supervivencia, de jugar la baza del prestigio internacional del autor. Volvamos a la rueda de preguntas. Ana-Cristina, ¿qué entiendes por cubismo? La chica se desespereza y contesta tal cual: - El cubismo es un movimiento artístico que valora la expresión primaria del volumen y la forma –reducidos a conos, cubos, cilindros, esferas- frente al descuido en que en este aspecto había llegado a incurrir el impresionismo, atento sobre todo a la superficie y a la apariencia momentánea de la realidad. El cubismo deriva del postimpresionismo y se bifurcará en dos ramas principales: la sintética, que busca mostrar de modo simultáneo la forma de un objeto visto desde perspectivas diferentes, y la analítica, o primera fase cubista en que los cuerpos se desintegran mostrando sus componentes volumínicos esenciales. En muchos aspectos, el cubismo es una reacción contra ciertas vías impresionistas que habían llevado el desapego de la realidad a extremos verdaderamente asistemáticos. El cubismo vuelve a tomar contacto con el mundo físico, ateniéndose a la última realidad formal de las cosas y reduciéndolas a sus esquemas geométricos esenciales. Tomo de nuevo la palabra. Los bocetos que se conservan, con fecha de 18 y 19 de abril, revelan que Picasso no había encontrado todavía la inspiración para su obra, a pesar de la inminente inauguración de la Exposición Internacional. Dichos bocetos, que tienen como tema El taller: el pintor y su modelo, prefiguran el Guernica únicamente en cuanto a la forma rectangular de la composición, aunque se ha señalado también que la figura del pintor con el brazo extendido guarda cierta semejanza con la de la mujer que alarga el brazo con el quinqué en el Guernica. No obstante, no aparece en estos esbozos ninguno de los elementos iconográficos del futuro cuadro. En uno de los bocetos hay incluso alguna clara alusión política (la hoz y el martillo), que no estará presente en el Guernica.Representa todo tipo de personas en una guerra. Ahora voy contigo Leticia. ¿Qué entendemos por boceto? La adolescente recapitula y nos dice que: - El boceto representa una fase previa de realización o diseño de una obra artística. ¡Fin! El 1 de mayo realizó Picasso los primeros esbozos de su cuadro. El proceso de creación de la obra está documentado, además de por los esbozos, por las fotografías que tomó Dora Maar; según Van Hensbergen, todo este material puede constituir «el ejemplo mejor documentado del progreso de una obra en toda la historia del arte». En el primer boceto del cuadro aparecen ya los personajes principales del Guernica: el toro, la mujer con la luz, el guerrero derribado en el suelo y el caballo. En el segundo esbozo, también del 1 de mayo, encima del toro aparece un caballito alado que no estará presente finalmente en el cuadro. La figura de la madre con el niño muerto en brazos aparece por primera vez en un dibujo fechado el día 8 de mayo. El artista comenzó a trabajar directamente sobre el lienzo el día 11 de mayo. La tela era tan grande que apenas cabía en el estudio. Por este motivo, y dado que su destino era ir pegada a un muro, Picasso utilizó pintura vinílica Ripolín mate, de uso industrial. A instancias del propio Picasso, Dora Maar realizó un total de siete fotografías, cada una de las cuales muestra el lienzo en un estadio diferente de su ejecución. Gracias a las fotografías, los críticos han considerado que la obra se elaboró en seis fases. Valeriano Bozal ha observado que durante las tres primeras fases predomina un sentido narrativo de la composición, «reforzado por la forma rectangular de la obra, por su horizontalidad». Apenas hay elementos que destaquen verticalmente, y nada obstruye, por lo tanto, el sentido horizontal de la «lectura». La figura del toro se extendía de derecha a izquierda. En la cuarta fase, según Bozal, se introdujeron dos elementos novedosos: por una parte, el cuerpo del toro, que antes estaba a la derecha de su cabeza, se situó a su izquierda, con lo cual quedaba violentamente torcido; por otra, se destacó en el centro la figura del caballo. En las siguientes fases, el trabajo de Picasso se centró en las figuras del guerrero caído y de la mujer de la derecha. En ciertos momentos de la elaboración de la obra, el artista intentó introducir elementos de collage, en concreto en la mujer de la derecha, pero finalmente desechó la idea. En la última fase, Picasso rellenó el caballo con pequeños trazos y la falda de la madre con rayas verticales, dibujó una cuadrícula en el suelo y terminó de pintar la zona de la lámpara. El pintor dio por concluido su cuadro el 4 de junio de 1937. Pero súbitamente vuelvo la cabeza y pesco una vez más a Ana-Cristina, a quien pregunto: ¿en qué consiste un collage? La joven toma saliva y responde que: - Un collage es una técnica plástica que consiste en pegar sobre un soporte (bastidor de tela, lienzo, cartón, etc.) diversos elementos (papel, tela, chapa, etc.), estructurados libremente (cortados, rasgados, rotos, etc.) con libre elección de formas, colores y calidades. Es voz francesa, sin traducción aceptada en castellano, que significa 'conjunto de cosas pegadas'. Inicialmente predominó el uso del papel (dando lugar al 'papier colle') y es característico de la primera mitad del siglo XX, aunque actualmente se usan de nuevo los collages en la nueva figuración, el pop-art, etc. Por otra parte, papiers colles (en francés 'papeles pegados') es voz sinónima de collage hecho con papeles. En resumidas cuentas, el collage es una técnica artística que consiste en pegar distintas imágenes sobre un lienzo o papel. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. En otro sentido, si volvemos la mirada sobre la historia, tendremos que afirmar que, aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura 'Naturaleza muerta con silla de rejilla', no se sabe con exactitud si fue primero Picasso o Georges Braque. El caso es que los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también, siendo el primero en presentar un collage en una exposición. El Futurismo lo adapto también sin problemas y los dadaistas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales. Del collage se depuro el 'objeto encontrando", según el cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como "arte", desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de 'objetos encontrados' o collage hay solo un paso. El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, constructivismo... Asimismo, es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Retomo la palabra: Muy bien Ana-Cristina. En la actualidad, el cuadro se encuentra en exposición permanente en el museo Reina Sofía de Madrid, junto con 45 bocetos en papel y lienzo, muchos de ellos preparatorios y otros creados como variaciones tras la conclusión del cuadro. Para ir terminando, anotaremos que en un período de seis semanas, antes, durante y después de la ejecución del cuadro, Picasso realizó un total de 45 bocetos en papel y lienzo, muchos de ellos preparatorios y otros creados como variaciones tras la conclusión del cuadro. Ven aquí Jhon. Dime ¿qué entiendes por lienzo?, lo cual no ofrece mayor complejidad. Jhon nos dirá que: - El lienzo es la tela sobre la que se pinta, especialmente la hecha de lino o algodón, cáñamo, etc. Así, hemos preparado nuestra visita al Guernica de forma colectiva, interviniendo también mis tres sobrinos. Se me escapan las palabras de agradecimiento hacia ellos. Salimos a la calle, donde, entre risas, nos despedimos. PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881-Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. E n la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los hermanos estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería ya para siempre su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler. A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo. Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica (1909-1912). En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial. Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En 1935 nació su hija Maya, fruto de una nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar. El estallido de la Guerra Civil española, preludio de la Segunda Guerra Mundial, lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente admiradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas del general golpista Francisco Franco. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos. En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte. Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo. P ablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba. En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Inst ituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal. Dos años más tarde obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influidos por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga. En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa. Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí trabó amistad con Braque y Apollinaire, y se enamoró de Fernanda Olivier. Durante tres años Picasso pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907. Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a crear el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona. E n 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Serguéi Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Erik Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica. Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar. A l estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan. En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949. En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette David, que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde. Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguiría creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: su hija Paloma. Los tres renacuajos me comen a preguntas. Jhon, por ejemplo, pregunta: - ¿Cuántos hijos tiene Ruiz Picasso? Le contesto rápida y certeramente: - Al mayor le contrató como chófer. Cuando Pablo Ruiz Picasso murió, hace ya medio siglo, dejó cuatro hijos de tres mujeres diferentes: Paulo, nacido de su primer matrimonio con Olga Khokhlova; Maya, de su amante Marie-Thérèse Walter, y Claude y Paloma, hijos de la pintora Françoise Gilot. Ana Cristina me plantea que: - ¿Cuánto fumaba Picasso? Le contesto prematuramente: - Era un gran fumador y de hecho eso le pasó factura al final de su vida pues murió de una insuficiencia cardíaca provocada por un edema pulmonar. Fumaba mucho, inicialmente en pipa; luego, y hasta su muerte, cigarrillos Gauloises. De nuevo Ana-Cristina me plantea que: - ¿Cuántas esposas tuvo Picasso? Y le digo que: - Olga Jojlova (matrimonio, 1918; fallecimiento, 1955) y Jacqueline Roque (matrimonio, 1961; fallecimiento, 1973) Ahora, le toca el turno a Leticia; ésta pregunta: - ¿Qué le pasó a la hermana de Picasso? Y yo respondo que: - Picasso estuvo muy preocupado por su familia durante la Guerra Civil, sobre todo durante los bombardeos de Barcelona, dado que la familia vivía muy cerca del Teatro Coliseum, donde cayó una bomba justo cuando pasaba un camión cargado con material explosivo. Lola murió en 1958 en Barcelona a la edad de 74 años. Pero aquí cesan las preguntas y yo mantengo mi monólogo, mi cátedra –siendo presuntuoso-. A continuación me meto con el análisis del cubismo. EL CUBISMO El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia que surgió a principios del siglo XX, principalmente en Francia. Se caracteriza por la representación de objetos y figuras geométricas, fragmentadas y vistas desde múltiples perspectivas simultáneamente, rompiendo con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas descompusieron las formas naturales en figuras geométricas (cubos, esferas, conos) y representaron un objeto desde diferentes ángulos al mismo tiempo. Las figuras geométricas son el elemento central en las composiciones cubistas, reemplazando la representación naturalista. El cubismo rechaza la perspectiva tradicional y busca crear una nueva forma de representación del espacio y la forma. En las primeras etapas del cubismo, los colores eran principalmente apagados y neutros, como grises, verdes y marrones. El cubismo fue influenciado por el arte africano primitivo y el postimpresionismo, especialmente por la obra de Paul Cézanne. • El cubismo analítico (1909-1912): Se caracteriza por el uso de colores grises, verdes y marrones, así como por la fragmentación de las formas. • El cubismo sintético (1912-1914): Utiliza colores más vibrantes y añade elementos como collage para crear composiciones más complejas. Principales artistas cubistas, • Pablo Picasso: Uno de los pioneros del cubismo, conocido por obras como “Las señoritas de Avignon”. • George Braque: Junto con Picasso, desarrolló el cubismo analítico y sintético. • Juan Gris: Un artista español que también desarrolló el cubismo sintético. El cubismo fue una revolución en el arte, que abrió nuevas vías de expresión y sentó las bases para el desarrollo de otras vanguardias artísticas. Los artistas cubistas buscaban representar múltiples perspectivas de un objeto, al mismo tiempo, fragmentando sus formas y rehaciéndolas en el lienzo. Comprender la historia del arte y sus movimientos, es también darle una mirada al pasado de la humanidad y sus hechos culturales más destacados. En esta oportunidad, queremos compartir contigo acerca de uno de los movimientos pictóricos más interesantes del siglo XX como lo fue el cubismo. El cubismo es un estilo artístico que descompone las formas naturales en figuras geométricas básicas como cubos, esferas y conos. Los artistas cubistas buscaban representar múltiples perspectivas de un objeto al mismo tiempo, fragmentando sus formas y rehaciéndolas en el lienzo. Esta técnica permitía mostrar la realidad desde una visión más compleja y analítica, alejándose de la representación realista tradicional. Justamente, el rompimiento con la representación realista tradicional fue lo que motivó a los artistas cubistas a posicionarse. Dentro de este arte se buscaba expresar la cuarta dimensión, es decir, no solo representar las formas y los espacios sino también el tiempo y el movimiento que estos podrían tener. Comprender la historia del arte y sus movimientos, es también darle una mirada al pasado de la humanidad y sus hechos culturales más destacados. En esta oportunidad, queremos compartir contigo acerca de uno de los movimientos pictóricos más interesantes del siglo XX como lo fue el cubismo. El cubismo es un estilo artístico que descompone las formas naturales en figuras geométricas básicas como cubos, esferas y conos. Los artistas cubistas buscaban representar múltiples perspectivas de un objeto al mismo tiempo, fragmentando sus formas y rehaciéndolas en el lienzo. Esta técnica permitía mostrar la realidad desde una visión más compleja y analítica, alejándose de la representación realista tradicional. Justamente, el rompimiento con la representación realista tradicional fue lo que motivó a los artistas cubistas a posicionarse. Dentro de este arte se buscaba expresar la cuarta dimensión, es decir, no solo representar las formas y los espacios sino también el tiempo y el movimiento que estos podrían tener. Con esto, se lograba plasmar una perspectiva múltiple para revelar la complejidad de la realidad. El cubismo apostó por la mirada subjetiva, más que por la representación fiel de la naturaleza. Como muchos otros movimientos artísticos, el cubismo no fue invención de una sola persona, sino el resultado de un contexto histórico específico y el trabajo de diferentes artistas. Algunos de los exponentes más destacados del cubismo fueron: • Pablo Picasso, arriba mencionado, pintor español considerado uno de los padres del cubismo. Su obra “Las señoritas de Avignon” de 1907 es considerada un punto de inflexión y el inicio de este movimiento artístico. • Georges Braque: pintor francés que trabajó en estrecha colaboración con Picasso. Ambos exploraron juntos las posibilidades de fragmentar las formas y representarlas desde múltiples perspectivas. • Juan Gris: también español que desarrolló un cubismo más sintético y elegante. Jean Metzinger y Albert Gleizes: pintores franceses que escribieron el primer tratado sobre el cubismo, “Du Cubisme”. • Robert Delaunay: pintor francés que introdujo elementos del color y la luz en el cubismo. • Fernand Léger: pintor francés que desarrolló un estilo cubista más mecánico e industrial. Los tres tipos de cubismo: El cubismo como movimiento artístico según su historia puede dividirse en cuatro fases. Veamos a continuación cuáles son las características principales de cada una: • Cubismo Proto o Ceutí (1907-1909): Es la fase inicial del movimiento caracterizado por una exploración de la forma y la descomposición de los objetos en planos. Los artistas aún mantenían cierta conexión con la realidad, aunque ya se aprecian las primeras deformaciones y simplificaciones. Una obra destacada de este momento puede ser «Les Demoiselles d’Avignon» de Picasso que marca una ruptura radical con la tradición pictórica. • Cubismo Analítico (1909-1912): Esta fase del cubismo está marcada por la fragmentación de las formas que alcanza su máxima expresión. Los objetos se descomponen en múltiples planos geométricos y se representan desde diferentes puntos de vista simultáneamente. Los colores son generalmente monocromáticos y la composición es compleja y difícil de descifrar. • Cubismo Sintético (1912-1914): Para esta etapa, los artistas incorporan elementos de la realidad cotidiana en sus obras, como periódicos, letras, fragmentos de objetos y texturas. La composición se vuelve más clara y los colores más brillantes. Un ejemplo de ello puede ser la obra «papiers collés» de Braque. • Cubismo Cristalino (1914-1918): Esta última fase se caracteriza por una simplificación de las formas y una mayor claridad en la composición. Los artistas buscan representar la realidad de una manera más objetiva y racional. Algunos pintores que podemos identificar de este momento son Robert Delaunay, Fernand Léger. LOS COLLAGES Pretendo explicar pausadamente qué sabemos del collage. Cedemos, pues, a la expresión escrita la palabra: "Un collage es una técnica plástica que consiste en pegar sobre un soporte (bastidor de tela, lienzo, cartón, etc.) diversos elementos (papel, tela, chapa, etc.), estructurados libremente (cortados, rasgados, rotos, etc.) con libre elección de formas, colores y calidades. Es voz francesa, sin traducción aceptada en castellano, que significa 'conjunto de cosas pegadas'. Inicialmente predominó el uso del papel (dando lugar al 'papier colle') y es característico de la primera mitad del siglo XX, aunque actualmente se usan de nuevo los collages en la nueva figuración, el pop-art, etc. Por otra parte, papiers colles (en francés 'papeles pegados') es voz sinónima de collage hecho con papeles. En resumidas cuentas, el collage es una técnica artística que consiste en pegar distintas imágenes sobre un lienzo o papel. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. En otro sentido, si volvemos la mirada sobre la historia, tendremos que afirmar que, aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura 'Naturaleza muerta con silla de rejilla', no se sabe con exactitud si fue primero Picasso o Georges Braque. El caso es que los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también, siendo el primero en presentar un collage en una exposición. El Futurismo lo adapto también sin problemas y los dadaistas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales. Del collage se depuro el 'objeto encontrando", según el cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como "arte", desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de 'objetos encontrados' o collage hay solo un paso. El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, constructivismo... Asimismo, es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Dicho lo cual, y llegados hasta aquí, nos encontramos ante el momento propicio para aclarar determinados conceptos. Así, el Futurismo fue fundado por Marinetti en 1909. Este ismo busca expresar el dinamismo de la vida moderna, mecanizada e industrializada, dando la sensación del movimiento o de los sentimientos dinámicos, simultaneando las posiciones sucesivas de los cuerpos, pero de tal modo que la forma pueda ser entendida por el espectador, para hacerle partícipe de lo representado. Se relaciona con el cubismo en algunos aspectos -descomposicion en planos y volúmenes- y estudia sobre todo el movimiento, prescindiendo de las líneas continuas, de la armonía y del 'buen gusto". Por su parte, el Cubismo fue un movimiento artístico que valora la expresión primaria del volumen y la forma -reducidos a conos, cubos, cilindros, esferas- frente al descuido en que en este aspecto había llegado a incurrir el impresionismo, atento sobre todo a la superficie y a la apariencia momentánea de la realidad. El cubismo deriva no del postimpresionismo y se bifurca en dos ramas principales: la sintética, que busca mostrar de modo simultáneo la forma de un objeto visto desde perspectivas diferentes, y la analítica, o primera fase cubista en que los cuerpos se desintegran mostrando sus componentes volumínicos esenciales. En muchos aspectos, el cubismo es una reacción contra ciertas vías impresionistas que habían llevado el desapego de la realidad a extremos verdaderamente asistematicos. El cubismo vuelve a tomar contacto con el mundo físico, ateniéndose a la última realidad formal de las cosas y reduciéndolas a sus esquemas geométricos esenciales. A parte, el constructivismo fue un movimiento artístico surgido en Rusia en torno a 1913, que trató de afirmar mediante la construcción geométrica de las formas la absoluta libertad expresiva del artista. Por otra parte, el surrealismo fue un movimiento artístico surgido en Francia en torno a los años veinte. Consecuencia extrema del decadentismo, el surrealismo, que tiene un precedente inmediato en el Dadaísmo, encuentra sus fundamentos en la doctrina de Freud; pretende, de hecho, romper los esquemas lógicos que ahogan la realidad más auténtica que es la vida del inconsciente. De cualquier modo, las mejores creaciones del surrealismo se dieron en las artes figurativas Por último, el Dadaísmo, o Movimiento dada, fue una corriente artística que representó la transición del cubismo al surrealismo. Se inició en 1916 en París, y allí fue donde conoció su apogeo y su fin. Las disensiones, acentuadas por los futuros surrealistas, condujeron al fin del dada. El Dadaísmo, a causa de su virulencia antiaérea y su culto a lo irracional, abrió el camino a los vanguardistas posteriores. EL ARTE ABSTRACTO La palabra ismo se aplica a una tendencia artística que es definida por sus características propias, que la diferencian suficientemente de las tendencias restantes. Además, el término ismos es una designación de una serie de movimientos artísticos vanguardistas que surgen a comienzos del siglo XX y cuyos nombres terminan con el sufijo “ismo”, por lo que se las agrupa bajo esta denominación: futurismo, surrealismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo… son algunos de los ismos más conocidos. Rasgos comunes de los distintos ismos son su antitradicionalismo, su internacionalismo y sus manifiestos de nuevas estéticas. Los distintos ismos se sucedieron con vertiginosidad y, en muchos casos, desaparecieron de igual manera, por lo cual coinciden en algunas características; ello explica que algunas obras sean difíciles de catalogar. A su vez, los mismos autores pasan de un ismo a otro sin demasiadas modificaciones en su producción. El ismo de más implantación internacional y que aún continua influyendo en bastantes artistas es el surrealismo. ¡Bien! En nuestro ensayo sobre el arte contemporáneo, evidentemente, hemos estudiado la gran mayoría de los ismos actuales, como el futurismo, el abstraccionismo, el expresionismo abstracto, la nueva figuración, el arte conceptual, el pop art, el arte pobre, el constructivismo, el neoplasticismo, el hiperrealismo, el suprematismo, el body art, etc., etc., pero ahora nos vamos a centrar en el arte abstracto, que se llama así al arte no figurativo, es decir, al que sostiene que un conjunto de líneas, colores y formas, sin ninguna relación con formas identificables, puede expresar adecuadamente emociones íntimas, sugestiones, etc. Su apogeo, en torno a los años veinte y sobre todo alrededor de Mondrian, Kandinsky, etcétera, lo llevó a la subdivisión en ciertas tendencias, algunas de las cuales –también llamadas abstractas- aún mantenían débiles vínculos con el mundo natural. El arte abstracto es una forma de expresión artística en la que prevalece una idea por sobre la figuración de la realidad. Las obras del arte abstracto crean, a partir de diferentes colores y formas, una composición que prescinde de referencias. Se desarrolló a fines del siglo XIX y su teoría fue desarrollada por el artista ruso Wassily Kandinsky. También está influenciado por movimientos como el expresionismo, el fauvismo y el cubismo. Hay distintos grados de abstracción en el arte abstracto, y puede ser encontrado en diferentes campos como la pintura, la escultura, la literatura, las artes escénicas y la arquitectura. En esta contraportada te contamos todo lo que tienes que saber sobre el arte abstracto. Explicaremos brevemente su historia, y compartiremos con los lectores sus características principales y los diferentes tipos de arte abstracto. Por tanto, ¡empezamos! El arte abstracto es una expresión artística que propone un concepto distinto a lo que está considerado como real. Es contrario al arte figurativo o realista, ya que no representa formas concretas reconocibles del mundo real, sino que propone una mirada diferente de las cosas, a través de un lenguaje “puro”. A su vez, esta expresión artística prioriza la emoción e intuición por sobre la razón. En este sentido, la interpretación de este arte es menos evidente o lógica, y depende de cada espectador. Las obras abstractas rompen normas y sentidos comunes, y buscan aproximarse al público desde la intuición y desde pensamientos libres. Esto significa que es necesario que el espectador tenga una comprensión que vaya más allá de lo racional para poder admirar una obra abstracta. Por otro lado, entre las características principales del arte abstracto, podemos decir que pone especial atención en los elementos esenciales del lenguaje plástico, como los colores y las formas, para salirse de la realidad concreta. De esta manera, cada artista abstracto tiene sus propias reglas en relación con el uso de los colores, las líneas y las formas. La búsqueda de trascender la representación de la apariencia externa de las cosas se da a través de estos aspectos cromáticos y formales. Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido en los campos de la pintura y de la escultura. No obstante, también se desarrollaron obras abstractas en otros campos como en la literatura, las artes escénicas y la arquitectura. Además, cabe señalar que hay distintos grados de abstracción en cada obra. Hay algunas que tienen una abstracción parcial, y otras una abstracción total. Veamos a continuación cómo nació el arte abstracto y cuáles fueron sus mayores influencias. El origen del arte abstracto está vinculado a las pinturas rupestres halladas en cuevas prehistóricas. Sin embargo, como hemos dicho anteriormente, se considera que su origen oficial es de finales del siglo XIX, y que toma fuerza en 1910 con el artista abstracto ruso Wassily Kandinsky, quien teoriza y trabaja en profundidad este arte. Empecemos por el principio: ¿quién fue Kandinsky? Wassily Kandinsky nació en Moscú en 1866, y es considerado uno de los fundadores de la abstracción en el arte. Desde muy joven, Kandinsky mostró un gran talento para el dibujo y la pintura, y tras estudiar en varias ciudades de Europa, se convirtió en uno de los artistas más destacados del siglo XX. Una de las características más importantes de la obra de Kandinsky es el uso que hace de los colores. Para Kandinsky, los colores eran mucho más que simples tonos: eran emociones, sentimientos, estados de ánimo. Cada color tenía una personalidad propia, y Kandinsky los utilizaba para crear un lenguaje visual muy personal. Dicho lo cual, seguiremos adelante. El arte abstracto además está inspirado en los movimientos del expresionismo, el fauvismo y el cubismo. Los artistas que crearon el arte abstracto se encontraban en la búsqueda de una nueva expresión que plasmara los cambios profundos que vivieron en su época, a través de la reivindicación del inconsciente y de las emociones, en oposición a lo figurativo. Antes de seguir la marcha, aclararemos qué son el expresionismo, el fauvismo y el cubismo. En primer lugar, el expresionismo es un movimiento artístico nacido a fines del siglo XIX, opuesto al realismo que caracterizaba a los impresionistas. Se preocupa mucho menos de reproducir la realidad aparente y sus formas o armonías, que de trasladar al arte la expresión de los sentimientos y de las vivencias interiores del artista. Habitualmente sus obras más típicas intentan reflejar, de modo brusco e inquietante, las angustias y sentimientos del hombre ante la incertidumbre de los tiempos contemporáneos. No obstante, el término puede hoy aplicarse a cualquier tendencia a acusar violentamente la expresión con merma de otros valores o contenidos, por analogía con el expresionismo histórico. Los expresionistas más característicos son los del grupo Die Brücke (El puente), de Dresde, hacia 1905 y los del Blaue Reiter (Caballero Azul). Por otro lado, el fauvismo (del francés fauve = salvaje) o Salvajismo es otro movimiento en que sus pintores emplean sólo tonos puros, inventados, sin relación con la realidad, surgido en 1905. Negaron la licitud de buscar la forma a través de la luz y la sombra o la representación del espacio basada en el claroscuro. Por lo demás, carecieron de programa fijo, adoptando cada artista la vía expresiva más adecuada sus ideas. Sus precedentes son el postimpresionismo, como Van Gogh, y su principal representante artístico fue H. Matisse que agrupó a sus compañeros en el Salón de Otoño, en 1905. El nombre de fauves (silvestres, salvajes) fue empleado despectivamente por la prensa. Braque y Dufy se unieron al grupo. Y en tercer lugar, por último, el cubismo es, sin duda, otro movimiento artístico que valora la expresión primaria del volumen y la forma –reducidos a conos, cubos, cilindros, esferas- frente al descuido en que en este aspecto había llegado a incurrir el impresionismo, atento sobre todo a la superficie y a la apariencia momentánea de la realidad. El cubismo deriva del postimpresionismo y se bifurcará en dos ramas principales: la sintética, que busca mostrar de modo simultáneo la forma de un objeto visto desde perspectivas diferentes, y la analítica, o primera fase cubista en que los cuerpos se desintegran mostrando sus componentes volumínicos esenciales. En muchos aspectos, el cubismo es una reacción contra ciertas vías impresionistas que habían llevado el desapego de la realidad a extremos verdaderamente asistemáticos. El cubismo vuelve a tomar contacto con el mundo físico, ateniéndose a la última realidad formal de las cosas y reduciéndolas a sus esquemas geométricos esenciales. Sus orígenes están, fundamentalmente, en las obras de última época de Cézanne, aunque sus primeros cultivadores propiamente hablando fueron Picasso y Braque. Siguiendo con el arte abstracto, diremos que es importante mencionar que el arte abstracto tuvo grandes artistas, entre los que podemos destacar a Wassily Kandinsky, Kazmir Málevich, Piet Mondrian, Mark Rothko, Jackson Pollock, Jesús Soto, Joan Miró, Marcel Duchamp, Robert Delaunay y Jean Arp. Muchas de las obras de estos grandes representantes de este movimiento se encuentran en los museos más importantes del mundo. Además, todas las obras están reproducidas en imágenes que se encuentran disponibles en diversas publicaciones físicas y digitales. El arte abstracto se divide en cuatro corrientes principales: la abstracción geométrica, el expresionismo abstracto, la abstracción lírica y la abstracción orgánica. Veamos cada corriente en detalle: LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA El arte abstracto geométrico busca ser objetivo, racional y universal. Es decir, que la composición esté estructurada, y que a través de la geometría evite cualquier expresividad. Este tipo de arte abstracto apunta a ser claro y preciso. Además, se considera que tiene influencias cubistas y futuristas. Su máximo exponente fue el pintor neerlandés Piet Mondrian. La obra “Tableau I” fue una de sus obras más icónicas. De hecho, fue un ícono emblemático de la cultura pop. En ella, el artista combina colores primarios con líneas negras definidas, creando de esta manera bloques geométricos. Aclaramos que se dice geométrico del arte cuyos elementos decorativos y ornamentales están formados por motivos geométricos fundamentalmente. Por otra parte, el futurismo fue fundado por Marinetti en 1909; este ismo busca expresar el dinamismo de la vida moderna, mecanizada e industrializada, dando la sensación del movimiento o de los sentimientos dinámicos, simultaneando las posiciones sucesivas de los cuerpos, pero de tal modo que la forma pueda ser entendida por el espectador, para hacerle partícipe de lo representado. Se relaciona con el cubismo en algunos aspectos –descomposición en planos y volúmenes- y estudia sobre todo el movimiento, prescindiendo de las líneas continuas, de la armonía y del “buen gusto”. Balla, Carrá, Severini y Boccioni son sus figuras más destacadas. EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO El expresionismo abstracto prioriza la expresividad del artista. Apunta a la espontaneidad, a la intuición y a la subjetividad. Este tipo de arte abstracto, a diferencia del geométrico, no es estructurado ni planificado. Prioriza la improvisación, el gesto, la emoción y el sentimiento. El mayor exponente del expresionismo abstracto es el artista estadounidense Jackson Pollock. Este artista fue un gran defensor de la libertad de expresión, como también un opositor de la política conservadora. En los lienzos de sus obras, Pollock genera una explosión de colores a través de la técnica del dripping. El dripping (goteo, en inglés) es una técnica pictórica que vierte colores fluidos sobre la tela extendida en el suelo. Como hemos dicho, su más notable pintor ha sido Jackson Pollock (1912-56). LA ABSTRACCIÓN LÍRICA Kandinsky (1866-1944) fue un destacado pionero y teórico del arte abstracto. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán. Entre los años 1908 y 1910 se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas. Este tipo de arte abstracto está enfocado en el color, la intuición y el sentimiento. No se utiliza la geometría ni ningún proceso racional, sino que, por el contrario, es totalmente libre y espontáneo. Es una corriente que tuvo influencias del fauvismo y del expresionismo. Entre los artistas más destacados de la abstracción lírica se encuentra el artista ruso Wassily Kandinsky. Una de sus pinturas más conocidas, “Sin título”, realizada en 1910, es la considerada primera acuarela abstracta. Está realizada con tinta, pluma y acuarela sobre papel, y en ella, Kandinsky transmite emociones y sentimientos, a través de una composición armónica entre colores, formas y líneas. El término Jugendstil es el nombre alemán para designar al Modern Style o Liberty. LA ABSTRACCIÓN ORGÁNICA El arte abstracto orgánico representa formas orgánicas, es decir, formas que se encuentran en la naturaleza, y que aluden a otras figuras. Estas son generalmente formas redondeadas o figuras geométricas suavizadas. La abstracción orgánica tiene gran relación con las corrientes del surrealismo y del existencialismo. Uno de los artistas más característicos de esta corriente es el artista francoalemán Jean Arp. Él realizó una gran cantidad de esculturas y pinturas abstractas, y fue uno de los fundadores del movimiento dadaísta. Como notas aclaratorias, apuntamos que el existencialismo es una corriente filosófica que se desarrolla en Europa en la primera mitad del siglo XX y que alcanza su apogeo en Francia tras la segunda guerra mundial, que considera que la existencia es el modo de ser propio y característico del ser humano, que es entendido como pura libertad de elección, en tanto pura subjetividad, rechazando, pues, toda posibilidad de que sea asimilado a un mero objeto o "cosa". El filósofo danés S. Kierkegaard es considerado el inspirador del existencialismo, y el alemán Martín Heidegger, con la publicación de "El ser y el tiempo" en 1927, su principal difusor, aunque quien obtendría el reconocimiento del gran público sería posteriormente el francés J.P. Sartre. Otros nombres destacados asociados al existencialismo son los de K. Jaspers, Simone de Beauvoir, M. Merlau-Ponty y J. Wahl. Para finalizar, el dadaísmo fue un movimiento antiacademicista, nacido en 1915 y por lo tanto en plena I Guerra Mundial, como protesta contra cualquier orden establecido o cualquier sistema racionalizado y sujeto a normas. Los sentimientos de angustia, de absurdo, de anonadamiento, de desastre universal a que abocaba en sus consecuencias el mundo capitalista, convirtieron a los dada en gentes negativistas y desconcertantes, cuyo impulso se perdió con la presencia joven del surrealismo, que articuló un sistema más complejo y expresivo basado en el psicoanálisis, donde se expresaban sensaciones semejantes pero más ricas, complejas y universales. Su fundador fue el rumano Tristan Tzara en 1916. El nombre de dada, hallado hojeando al azar el diccionario francés Larousse, significa el primer sonido emitido por el niño, sin expresión ni consciencia. En 1922 se escindió el movimiento. --------------------------------------------------------------------------------------------------------- DISEÑO DE PORTADA Nombre del autor: Ignacio Ramón Echeburúa Estévez Nombre del autor en portada: Ignacio R. Echeburúa Título del libro: Pablo Picasso y su Gernica. Texto solapa portada (Máximo 400 caracteres con espacios). Biografía del autor: Cursé estudios de Bachillerato en Ciencias, en los Marianistas de San Sebastián, como ya he dicho. Guillermo José Chaminade nació en Périgueux, Francia, en 1761 y murió en Burdeos en el año 1850. Fue un sacerdote católico fundador de la Compañía de María y de la Familia Marianista. Vivió tres años como desterrado de la revolución francesa en Zaragoza. Fue beatificado en el año 2000 por el papa Juan Pablo II. El sentido último de la pertenencia a la Familia Marianista, es el hacer presente a Cristo en el mundo, en unión con María, trabajando así por la construcción del Reino. Consideramos que nuestra vida, personal y comunitaria, es el instrumento preferencial de evangelización, al servicio de la misión de la Iglesia en el mundo. Una vez acabado el COU, vigente entonces, hice PRESCUELA de ARQUITECTURA en la Fundación San Pablo de Madrid, en el curso 1975-76, pasando al año siguiente a la Escuela de Arquitectura, sita en la Universidad POLITÉCNICA de Madrid. La Fundación Universitaria San Pablo CEU, obra de la Asociación Católica de Propagandistas (ACdP), nace con la intención de contribuir a la mejora de la sociedad a través de la formación impartida en sus centros docentes, ofreciendo un modelo educativo de acuerdo con la concepción integral de la persona, y a la vez actuando en la vida pública a favor de la justicia y en defensa del ser humano. Los fines de la institución se concretan en la búsqueda de la excelencia académica y profesional, la innovación en sus proyectos educativos y la formación de los alumnos en valores y virtudes humanas. Pese al éxito que obtuve en el curso académico 1976-77, pues aprobé todas las asignaturas, al año siguiente me desplacé a la Universidad de Zaragoza, llevándome conmigo una profunda crisis personal, que remonté al cabo del tiempo en la ciudad de Zaragoza. Aquí cambié las Ciencias por las Letras y estudié Filosofía y Letras, especializándone en Historia Moderna. La dote religiosa es la congrua o patrimonio que se entrega al convento o a la orden en que va a tomar estado religioso una profesa. Me licencié con una tesina sobre la dote de las religiosas de clausura, centrándome en las Carmelitas descalzas de San Sebastián (Guipúzcoa). Entre unas cosas y otras saqué de nota media de esta carrera un Sobresaliente cum Laude, siendo publicada una recensión en la revista "Estudios" del Departamento de Historia Moderna. La Universidad de Zaragoza es un centro de educación superior público repartido geográficamente entre los campus de Zaragoza, Huesca, Jaca, Teruel y La Almunia de Doña Godina, todos ellos en la Comunidad Autónoma de Aragón. Fundada en 1542, reunía en 2014 a más de 30.000 estudiantes y 3.000 miembros docentes entre sus 22 centros y 74 titulaciones y estudios propios. Su actual rector es José Antonio Mayoral Murillo. Corriendo el tiempo, empecé a dar clases de Latín a los alumnos suspendidos por los jesuítas de Donostia, siendo ayudado como profesor por un sinfín de personas de la Ciudad. Todos sabemos que mientras la Conferencia Episcopal tuvo fuerza en el Ministerio de Educación y Ciencia, el latín formó parte de las asignaturas obligatorias del Currículo. Básicamente, les enseñaba a los chavales a traducir a los clásicos. En Jesuitak Donostia se ofrece un Modelo Pedagógico centrado en la atención individualizada y el aprendizaje significativo conectado con la realidad. En un intervalo que duró siete años, trabajé como representante de ventas en una empresa fotográfica, a la par que escribía mi segundo libro de poesía, que presenté al Concurso literario Ciudad de Irún. Este nuevo libro lo escribí en Almonte, en un ático viejo. El primero, titulado "Libertad: ¿utopía?, lo escribí en Zaragoza, siendo estudiante universitario. Pero como todo cambia en la vida, más adelante dejé la poesía y me especialicé en el ensayo, ya trabajando como operario de la empresa Gureak siendo mi primer objeto de estudio la vida y la producción literaria de José Ortega y Gasset, ensayo que muy pronto verá la luz. Otras publicaciones jalonan estos años de trabajo por cuenta ajena, empezando por la presentación de otro escritor procedente de Cerezo de Río Tirón (Burgos), presentación que se encuentra en la revista n° 9 (navidad de 2006), de la Asociación Cultural Cerasio. Asimismo, en estos tiempos hice la Presentación de la obra de una escultora vasca, Marta Gómez, que participaba en el Concurso que convocó el Ayuntamiento de Oiartzun, para engalanar el camino que conduce desde esta Localidad hasta las minas de Peñas de Aya, o minas de Arditurri. . Y, ya en un último apretón de tuerca, se sitúan el libro titulado "El griego y su Literatura clásica", que publicó la editorial pc de Palma de Mallorca, en su sede de Barcelona. En estos tiempos, se sucedieron las publicaciones en la revista "Comunicación" de la ONG Why not, así como las realizadas para la Cruz Roja de Guipúzcoa, destacando entre ellas la titulada "Nuestros recuerdos: 100 años de moda y de juegos". Al mismo tiempo, preparaba el libro titulado "Astronomía", cuya edición corrió a cargo de la editorial Autografía de Barcelona, 2022. Y, por último, se encuentra en 'prensas' otro libro, el titulado "Historia de la física", que verá la luz en junio de este año, y que edita la misma editorial Autografía. Dado el gran número de libros elaborados, no sería sorprendente que alguno de ellos participara en algún Concurso literario, como el convocado por la editorial Anagrama de Barcelona. Todas mis publicaciones se pueden consultarse en la dirección electrónica de mi blog, que es: http://ignacioecheburua.blogspot.com/ Yo tengo dos correos electrónicos que son: ignacioecheburua@gmail.com/, ignacioecheburua@yahoo.es/ Texto de la contraportada (Máximo 500 caracteres con espacios). Sinopsis: En este Libro se estudia, sobre todo, el cubismo de Pablo Picasso. Pero el acercamiento a Picasso se hace a través del análisis y estudio de su Gernica, que podemos ver en el Reina Sofía. Me ayudan a hacer esta presentación tres de mis sobrinos, que tienen edades comprendidas entre los 12 y los 16 años. Se trata de Jhon, que es el menor, de Leticia y de Ana-Cristina. El diálogo no es complicado ni enrevesado, alcanzando el nivel suficiente para comprender los misterios que encierra el Guernica. Evidentemente, nos centramos en el bombardeo por la Legión Cóndor de la villa de Gernika, dándose todo lujo de detalles. Gernika quedó totalmente destruida. Y esta barbarie encuentra eco en el cuadro que proyecta Picasso. Además, se ofrece una biografía de este artista, en la que intervienen también mis tres sobrinos. A continuación se hablará de los collages y del arte abstracto y de sus cuatro formas, sin olvidar una carga expositiva sobre el cubismo, en general. Al tratarse de una cuestión artística, hacemos hincapié en el lenguaje propio de esta ciencia. El cubismo fue un movimiento artístico de vanguardia que surgió a principios del siglo XX, principalmente entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque. Este movimiento se caracteriza por la fragmentación de objetos y figuras en formas geométricas, ofreciendo múltiples perspectivas en una sola imagen. Además, el cubismo se divide en dos etapas principales: el cubismo analítico, que se centra en la descomposición de objetos, y el cubismo sintético, que incorpora elementos de collage y color. Algunos de los artistas más destacados del cubismo incluyen a Juan Gris, Fernand Léger y Robert Delaunay. Texto solapa contraportada (Máximo 300 caracteres con espacios): El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino que es considerado la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El terrmino cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos» y figuras geométricas. Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos. ¿Qué concepto –o conceptos- pretende transmitir en su libro? Se pretende transmitir que el Gernica es un cuadro crispante que recoge los horrores de las guerras actuales. Pablo Picasso puso su pintura al servicio de una causa social. Perfectamente podría titularse su pintura “Los horrores de la guerra. Por otra parte, la figura de Picasso tiene una gran fuerza interior, su personalidad es nuy rica y esconde mil vericuetos. El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. ¿Qué significa el título del libro? El título de este libro es Pablo Picasso y su Gernica, por lo que el título de este libro recoge lo que se desarrolla en su interior. El Título es la palabra o frase con la que se denomina una obra o cada una de sus partes. Cumple la función de identificación del texto, explicación, información de su temática o llamada de atención sobre algún aspecto significativo. Puede ser breve o de cierta extensión; en algunos otros casos sólo recoge el nombre de un personaje o alude al género. ¿Cuál es el público principal al que va dirigido el libro? Artista es un término descriptivo aplicado a una persona que se dedique a una actividad considerada como un arte. Un artista puede definirse también extraoficialmente como "una persona que se expresa a sí mismo a través de un medio". Los tipos de artistas son tan diversos como los medios artísticos: escultores, fotógrafos, artistas de performance, tatuadores, maquilladores, cinematógrafos, diseñadores gráficos, ilustradores, artistas textiles, artistas artesanos y muchos más. En gran parte del mundo actual, se considera que un artista es una persona con el talento y las habilidades para conceptualizar y hacer obras creativas. Tales personas son señaladas y apreciadas por sus ideas artísticas y originales. Se entiende por “artista” toda persona que crea o que participa por su interpretación en la creación o la recreación de obras de arte, que considera su creación artística como un elemento esencial de su vida, que contribuye así a desarrollar el arte y la cultura, y que es reconocida o pide que se la reconozca como ... El artista es introvertido, sensorial, siente y percibir. ¿Qué palabras le gustaría que su libro sugiriese a quien lo viese? Describa el libro en tres palabras: El cubismo fue un movimiento artístico. -----------------------------------------------------------------------------------